Anitacalero's Blog

Tema 3C :)

Posted on: febrero 3, 2011

TEMA 3C: EL ARTE Y LAS IMÁGENES

Mapa Conceptual tema 3 C

Toda imagen contiene una selección de la realidad, una sintaxis en la que crea un cierto orden, espacio, tiempo y significado y un repertorio de elementos gráfico-plásticos. la materia de Técnicas de expresión gráfico-plástica aporta los conocimientos referidos a los recursos, técnicas, métodos y aplicaciones instrumentales que hacen posible el hecho artístico, concretamente en el campo de la expresión plástica, gráfica y visual. Su finalidad es, por tanto, la adquisición y conocimiento de las técnicas de dibujo, pintura y grabado y el desarrollo de sus procedimientos, que hacen posible la comunicación a través de imágenes. y fomentan la capacidad creadora mediante la experimentación con distintos materiales artísticos, buscando soluciones diferentes y propias. Se trata de conseguir el desarrollo de las aptitudes de cada alumno, utilizando sus conocimientos plásticos y la manera en que pueden ser empleados como herramienta de exploración, desarrollo y expresión gráfica de un proyecto. Además, pretende iniciar al estudiante en el mundo de la artes plásticas, encontrando en el campo de la expresión plástica significado para su vida cotidiana y criterios de valoración propios dentro del ámbito de la plástica en general. Existen infinitos modos de expresar las intenciones del artista, de representar la realidad. Las imágenes pueden tener un gran parecido con la realidad o ser realidades nuevas.

• Según su grado de parecido con la realidad decimos que tiene mayor o menor grado de iconicidad. El grado de iconicidad, significa el valor de identidad de lo representado con respecto de la realidad. Una imagen será puramente icónica cuando muestre un fragmento de la realidad tal como pueda aparecer ante nuestra visión normal, bajo aspectos simples, cotidianos, etc. Iconicidad es sinónimo de realidad. El grado opuesto, la abstracción, cuando lo representado se muestra distinto a la visión ordinaria de la realidad, alterada por un punto de vista o una óptica distinta a la de nuestra visión natural, o la forma distorsionada por la fragmentación, el color, la perspectiva…

En esta imagen podemos observar la pintura de representación realista que restablece razonablemente las relaciones espaciales en un plano bidimensional. Un ejemplo son Las Meninas de Velázquez.

• Si atendemos a las formas podemos hablar de que son más o menos figurativas según su parecido con la realidad.

• Si no tienen semejanza con la realidad son abstractas.

Mayor grado de figuración: hiperrealismo.

 

Las imágenes pueden parecerse más o menos a la realidad pero nunca son la realidad, pueden ser una representación reconocible o una representación nueva. Según su menor o mayor parecido decimos que son figurativas y cuando no se parecen en nada a la realidad decimos que son abstractas. Al máximo grado de figuración se le llama hiperrealismo y mímesis, que es una copia de la realidad.

Los planos y los mapas, las fotografías, que nos dan identidad, etc. No tienen por qué ser realistas, de hecho hay veces que no es apropiado un alto grado de figuración; señales de tráfico, etc. A parte de esto hay muchísimos tipos de imágenes distintos, por ejemplo las publicitarias, pornográficas, etc.

La fotografía es la reproducción más fiel de la realidad.

Menor grado parecido con la realidad: abstracción.

Abstracción geométrica: líneas y formas geométricas.

 

Abstracción orgánica: formas curvas, irregulares que recuerdan las naturales.

Otras formas de expresión: action painting, Jackson Pollock.

De la mímesis de la realidad a la abstracción hay muchas posibilidades. Las imágenes nunca se corresponden con la realidad, por eso decimos que en cierta medida son figurativas. Cuando se produce un máximo grado de figuración se produce lo que conocemos por hiperrealismo o mímesis. La expresión del color y la pincelada son protagonistas.

Síntesis de las formas: simplifica la forma sin dar detalles.

Matisse llegó incluso hasta esquematizar las figuras creando composiciones con recortes de cartulina.

Predomina el movimiento pero seguimos reconociendo las figuras. El grado de figuración es menor.

El grado de iconicidad también depende de la función de las imágenes: Iconos, símbolos…

El grado de figuración depende de la función para la que esté destinada la imagen.

Existen muchas técnicas diferentes para crear imágenes y objetos. Algunas se utilizan desde hace mucho tiempo: las podríamos llamar tradicionales o artesanales.

Técnicas tridimensionales: son las que, para existir, necesitan un espacio de tres dimensiones, como cualquier otro objeto natural o artificial. Tienen, por tanto, alto, ancho y largo, y su volumen es real. Las obras tridimensionales, son formalmente, mucho más rica que la bidimensional y hasta se diría que es inagotable, pues admite verse desde muchos ángulos, cada uno de los cuales ofrece una organización de la obra distinta y, por tanto, una configuración nueva.

Técnicas bidimensionales: son las que se realizan en un espacio plano y, naturalmente, no tienen más que dos dimensiones: largo y ancho. Por ejemplo, un cuadro, un dibujo, una fotografía, una imagen cinematográfica, etc. Las obras plásticas bidimensionales no pueden ser apreciadas más que desde un punto de vista frontal, lo cual significa que su relación con el espectador es única y que lo que existe en su superficie no es susceptible de verse más que en esta relación obligada.

– Otras técnicas tradicionales: vidriera, calado, tejidos, cestería, etc.

Otras han aparecido más recientemente, como todas las técnicas más derivadas de la fotografía o de las TIC:

-Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales) fotografía, cine, televisión, vídeo, animación, etc.

– Técnicas infográficas.

– Otras: neon, apilamientos, eat art, object trouve, etc.

Además hay modos de expresión diferentes a los anteriores, que no estén basados en la creación de objetos ni imágenes.

– Expresión con el cuerpo, también es una técnica de creación, el cuerpo humano es un medio mediante el cual se pueden explicar sensaciones, estados de ánimos, e infinidad de sentimientos.

– Creación de situaciones: happening, performance, etc. es una manifestación artítica, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la vida cotidiana.

• La técnica de Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

Land art: es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera. Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

Todas las técnicas son válidas: lo que importa no es la técnica, sino el resultado. Se pueden hacer cosas muy interesantes con muchas técnicas y materiales diferentes. El material o la técnica, por sí mismos, no tienen interés. Vamos a acercarnos sólo a algunas de las técnicas y de los procedimientos más usuales.

1.- Técnicas y procesos tridimensionales. (volumen)

Los conceptos elementales son los siguientes:

• Adición

• Sustracción

• Construcción

• Deformación

• Transformación

• Otros

PRINCIPALES PROCEDIMIENTOS TRADICIONALES DE CREACIÓN EN VOLUMEN 

Adición 

Modelado 

Arcilla (barro)

Cera

Yesos y escayolas

Plastilinas

Otras pastas (papel, madera, etc)

Sustracción

Talla (directa o indirecta)

Madera

Piedra

Poliespan (porex)

Otras (marfil o eboraria por ejemplo)

Construcción

Soldaduras y ensamblajes

Encofrados

Otros

Deformación

Repujado, cincelado, etc

Forja

Vidrio soplado

Prensados y mecanizados

Transformación

Vaciado (moldes)

Vaciados en yeso, resinas, coladas de arcilla,etc

Vaciado + Fundición

Bronce

Metales preciosos (oro, plata, etc)

Otros (plomo, hierro, etc)

 
1º A) Adición (lat.adire: añadir).
 
 Las técnicas de adición son las del modelado:
 
– Arcilla
 
– Cera

– Yesos y escayolas

– Plastilinas

– Otras pastas (papel, pulpas, etc)

  Modelado y cerámica

En esta sección te damos información sobre los distintos trabajos artesanales relacionados con el modelado y la cerámica. Se pueden modelar los más diversos materiales: la arcilla, la masa de miga de pan, masa de sal, porcelana fría, papel maché, plastilina, pasta de modelar, fimo, sculpey,… Hay masas de modelar adecuadas a todas las necesidades.

Los trabajos de modelado son aptos para todas las edades, siendo un trabajo habitual en los centros escolares. Para trabajar con niños muy pequeños podemos usar la plastilina o la masa blanda, pensadas para que no pase nada si los niños se la llevan a la boca. El modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El modelo es parte del proceso que lleva a la idea final.

Técnicas habituales de modelado:

• Cilindros (también llamados churros)

• Placas

• Macizo

• Manteniendo hueco

• Técnicas cerámicas ( Torneado )

El Modelado necesita usar armazones que soporte el peso del material.

Proceso de modelado de un retrato.

Palillos y utensilios de modelar.

Técnicas de torneado cerámico.

El empleo del torno permite que el grosor de las piezas manufacturadas sea más omogénea e incrementa la producción. Existen indicios precisos que nos inducen a pensar que el torno del alfarero se utilizó en el tercer milenio a de C. en Egipto. En el torneado te permite una forma de trabajar más libre ya que estas en constante proceso de cambio y transformación y puedes ir corrigiendo mientras trabajas con el barro.

El torno de alfarero es una máquina de tracción humana o eléctrica, consistente en una superficie redonda y plana (platina) solidaria a un eje que se hace girar a una velocidad regulable entre 30 y 120 rpm aproximadamente. Sobre la platina, el alfarero modela o tornea con las manos mojadas en barbotina (pasta con alto contenido de agua), por medio de apretones y estiramientos, una pella de arcilla o pasta cerámica.

Antiguamente, el torno era movido por el pie del alfarero, que actuaba sobre una pesada rueda de madera, de unos dos metros de diámetro y diez centímetros de espesor, que le confería al sistema suficiente inercia para girar constantemente a pesar de la presión y el freno que ejercía el alfarero sobre el barro. Egipcios, griegos y romanos, hace miles de años, elaboraban cerámica utilitaria de gran belleza, utilizando el torno. El torno moderno de alfarero suele tener un motor eléctrico, y un dispositivo mecánico o electrónico que permite variar y ajustar en cada momento la velocidad de giro más adecuada. El modelado permite mucha libertad a la hora de crear esculturas y permite probar y ensamblar sin parar.

¿Cómo se conservan las obras modeladas? 

 

¿Cómo conservar las obras modeladas?

Técnicas directas

Arcilla

Secado al aire

Cocción

Cera

Enfriado/secado al aire

Yesos y escayolas

Plastilina

No endurece nunca del todo, salvo que se cueza u otros

Otros

Normalmente endurecen al aire

Técnicas indirectas

Todas las técnicas

Moldeado; vaciado (sacar moldes)

Vaciado + fundición

Copia a otro material (saca de puntos, escaneado)

 La cocción de la cerámica.

La cocción constituye el último paso en el proceso de producción de la cerámica. En esta operación se necesita utilizar una cantidad de calor muy superior a la que proporciona un horno doméstico. Es posible emplear, de todas formas, un horno de confección más o menos casera, pero resulta mejor adquirir un pequeño horno eléctrico. Su precio no es prohibitivo.

Se pueden cocer las piezas en el horno del taller al que se acuda, pero con un horno propio se controla mejor el proceso de cocción. Para empezar adquiera un modelo económico, como el de 30 x 40 x 30 cm. (Dimensiones de la cámara de cocción). Haga que un electricista compruebe las conexiones eléctricas. Recuerde que la temperatura del horno se mide con un termopar y un pirómetro, que constituyen un conjunto eléctrico que mide y regula temperaturas elevadas y que debe formar parte del horno.

Lleve un registro de las cocciones efectuadas. Para cada una, anote las temperaturas a intervalos de una hora. De este modo se dará cuenta de los progresos que realiza.

El fuego es el gran maestro o, si lo preferimos, el amo y señor del arte de la cerámica. Las piezas que hemos preparado serán verdaderamente “cerámicas”, sólo y cuando el fuego haya actuado sobre ellas. Para que una cerámica esté totalmente acabada son necesarias dos cocciones. La primera recibe el nombre de “bizcochado”. Este proceso transforma la tierra cruda en tierra cocida. El objeto cocido que sale del horno se denomina “bizcocho”. No creamos que esta primera acción del fuego se limita a hacerlo más duro o más resistente a la humedad y, en consecuencia, más apto para recibir el agua de los esmaltes. El verdadero objetivo de esta primera acción es el de provocar en su interior reacciones químicas. Estas reacciones producen gases que salen a través de pequeños poros que actúan de válvulas de descarga. El objeto, en el horno, sufre una verdadera transformación físico química. Para poder darse una idea, aunque sea superficial, diremos que durante la cocción se elimina toda la humedad remanente en el objeto, los hidrosilicatos se disocian, los óxidos se liberan, los carbonatos se descomponen y toda la pasta está sujeta a imperceptibles movimientos de dilatación y contracción por el cambio de volumen de los productos de las reacciones.

La temperatura de cocción varía de acuerdo con el tipo de pasta utilizada y, en consecuencia, con el tipo de objeto que se quiera fabricar. Para los productos en terracota, la temperatura del horno oscila entre los 850º y los 1000º C; para el gres y la loza, de los 1000º a los 1300º C; y para la porcelana, de los 1300º a los 1500º C, aproximadamente.

Al calentar la arcilla, ésta sufre una serie de modificaciones que, a partir de un cierto momento, son irreversibles. La arcilla sometida a una temperatura de 100º C se seca por completo, pero puede volver a su estado primitivo si se empapa con agua. Si se la calienta hasta 600 – 700º C, empieza a tomar un color rojo muy oscuro, y sufre profundas modificaciones químicas. En este momento la arcilla es blanda, desmenuzable y porosa, y no vuelve a ser plástica ni pierde su forma por la acción del agua.

A temperaturas del orden de 900 – 1000º C las partículas de la arcilla empiezan a conglomerarse y a adquirir mayor resistencia. Todas las sustancias carbonosas, como los residuos vegetales, se queman y volatilizan, dando como resultado un material puro y brillante y de color a veces muy distinto del original. Por ejemplo, al llegar a este punto los típicos tiestos modelados en arcilla roja tienen un brillante color terracota y una estructura resistente y porosa. Muchas arcillas negras adquieren en la cocción un color marfileño, consecuencia de la desaparición de las sustancias orgánicas quemadas.

1B) Sustracción

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción.

Materiales usuales.

– Piedra

– Madera (también llamada talla dulce)

– Marfil (eboraria)

– Porex (poliespan, corcho blanco)

– Otros (ladrillo por ejemplo)

Ejemplos de materiales de talla en piedra:

Ejemplos de materiales de talla en madera.

Ejemplos de materiales de talla de corcho blanco, poliespan…

Ejemplos de materiales de talla en marfil.

El material de talla puede ser de una sola pieza (monolítica, monolito, monobloque).

O por el contrario varias piezas unidas entre sí (ensambladas). Esto es muy frecuente en la madera. La talla permite menos libertad que el modelado al depender de la forma del bloque. Especialmente si es un solo bloque al que no se le ensambla nada más.

Dos tipos de talla:

– Directa

– Indirecta

Talla directa: Se va quitando directamente del material.

Miguel Ángel afirmó siempre hacer talla directa.

El ideal de la labor escultórica fue la “talla directa”, es decir, el trabajo directo sobre el duro material. Entonces se dijo que el verdadero escultor era aquel que trabajaba directamente sobre madera, piedra, bronce, metales repujables, etcétera, evitando convertir la madera y la piedra en yeso y el bronce en cera.

Para los escultores la talla directa lograba compenetrarse con la más íntima naturaleza del material, con su sencillez elemental. A través de esta técnica se intentaba desentrañar la expresión atrapada en la materialidad (en la recia textura de la piedra o las vetas de la madera), para propiciar ese encuentro primordial entre el arte y la naturaleza que se atribuía a los objetos primitivos.

Proceso talla con plastilinas.

Herramientas de talla en madera

Herramientas de talla en piedra.

Talla Indirecta. Se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc) y se va traspasando a la talla con ayuda de herramientas y/o máquinas especiales para no equivocarse.

La gente que piensa que los artistas normalmente hacen talla directa : cogen una piedra o un tronco y se ponen a quitar. Pues la realidad es la contraria, normalmente hacen talla indirecta. La talla directa es muy difícil y es demasiado arriesgada, una equivocación puede significar estropear definitivamente la obra.

La talla indirecta se hace copiando un modelo hecho, es una técnica más fácil. (Por ejemplo modelado). El modelado puede ser del mismo tamaño, o de otro tamaño (normalmente de una escala menor).

 Procedimientos habituales de talla indirecta (también llamada saca de puntos).

• Antiguamente se usaban métodos más o menos manuales:

– Pantógrafo manual o puntómetro

– Compases

• Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos:

– Pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador)

– Escáner 3D por láser y traslación a pantógrafo mecanizado asistido por ordenador

 El compás del escultor es el siguiente:

Pantógrafo de dibujo.

El pantógrafo de dibujo es un aparato de dibujo cuyo principio es usar una imagen guía para efectos de ampliarla, generalmente usada en arquitectura, consta de un pivote y un cruce de palos de madera o metal. Es la base de la pantografía.

El pantógrafo, como instrumento de dibujo, permite copiar una figura o reproducirla a una escala distinta. Para conseguir dibujos a diferente escala se varía la distancia entre los puntos de articulación (rótulas), conservando siempre la condición de paralelismo entre las varillas, dos a dos.

El aparato se basa en los principios del pantógrafo y consiste en un paralelogramo articulado que sirve para dibujar una figura homotética a una usada de referencia. Este tiene como fin la ampliación de un dibujo o geometría.

Para dibujar, se fija el pivote, y se desplaza el punto de referencia sobre el dibujo original; un lapicero situado en el punto de copiado reproduce la imagen a una escala mayor, que viene determinada por la relación de distancias P-PR y P-PC. Cambiando el punto de referencia por el punto de copiado se reproduce la imagen a una escala menor.

Escaneado a 3D y pasado a porex.

TÉCNICAS DE CONSTRUCCIÓN: Juntar piezas que ya existen hasta formar la obra.

Uno de los procedimientos más conocidos es la soldadura, que se puede hacer de diferentes formas: soldadura con gas, eléctrica, autógena…

Otro procedimiento de construcción es el assemblage o ensamblaje, que consiste básicamente en unir objetos que ya existen para hacer algo nuevo.

En los últimos tiempos también se utiliza la técnica del encofrado: se fabrica un molde con maderas, planchas o cualquier otro material y se llena de hormigón armado, una vez duro el hormigón se quita el molde y queda la escultura en hormigón. 

Deformación: procedimiento que transforma el material original: golpeándolo, doblándolo, estirándolo…

Los primeros hallazgos de la metalistería fueron piezas de oro que datan del Neolítico, seguidas muy pronto de las de plata, cobre y bronce. Consistían en diademas, brazaletes, collares, anillos y pendientes.

La forja también se usa en los procedimientos de deformación:

Una técnica de transformación es el procedimiento del soplado del vidrio, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

Transformación: contemplaremos las técnicas de vaciado y fundición.

-Técnica de vaciado: Consisten en hacer moldes (o negativos) y rellenarlos después con algún material (positivado).

Materiales de relleno: barro para cocer, escayola o yeso, cementos, resinas sintéticas, otros.

-Técnica de fundición: La fundición es el procedimiento habitual para copiar esculturas en algún metal.

Los procesos de fundición son procesos de vaciado muy complejos. El material más usual en Arte es el bronce. También se usan bastante el plomo, los metales preciosos, el latón. Y, en menor grado, el hierro y otros. En Escultura la técnica de fundición más usual es el de la “cera perdida”:

-Primero se saca una copia de cera, hueca y con finas paredes.

-Esa copia de cera se rodea de un molde de material refractario, y se rellena también de material refractario.

-Se calienta todo hasta que la cera se funde y sale del molde, y en el espacio resultante (donde estaba la cera) se echa bronce u otro metal.

-Se rompe y quita el molde, y se retoca la pieza.

Técnicas y procesos bidimensionales.

Los primeros dibujos que podemos considerar son la mayoría de las obras prehistóricas. Aunque muchas de ellas tienen tratamiento pictórico, son obras más ligadas a la línea que al modelado o matización cromática. Eran creadas con mezclas de restos orgánicos y minerales (sangre de animales, cenizas y barro).

El soporte más usual para el dibujo es el papel. Existen muchas clases de papel destinadas para diferentes usos según su gramaje y absorbencia: para artes gráficas (escritura, dibujo, impresión), papeles absorbentes, para embalajes, con tratamientos especiales (pintados, engomados, fotográficos…)

Carboncillo (barras y piezas de madera quemada):

Sanguina (barritas de material rojizo):

Lápiz de grafito:

Lápices de color:

Tinta china a plumilla:

Tinta bistre (tiene un color terroso muy cálido):

Tinta sepia:

Tinta + lápiz:

Rotuladores:

Pastel (barras de pigmentos de color aglutinado con goma arábica):

Ceras (barras de pigmentos de color y cera u otro material graso):

 

Punta de plata:

Tinta china a pincel (aguada): La tinta se usa como la acuarela, mezclándola a veces con agua para que salgan tonos más claros:

Acuarela: La acuarela son pigmentos aglutinados con goma arábiga que se disuelven en agua y se aplican sobre papel con pinceles. Cuanta más agua usemos, más claros será los colores. El color blanco se obtiene dejando el papel sin pintar. Es una técnica rápida y muy atractiva pero difícil de usar. Además apenas permite correcciones:

Gouache (o témpera profesional): La témpera tiene una composición parecida a la acuarela, pero además lleva pigmentos blancos que le dan “opacidad”, o sea capacidad de sobreponer colores sobre otros. Eso permite retocar, con lo que es mucho más sencilla de usar que la acuarela:

Acrílicos: Es una técnica inventada en el siglo XX. Los pigmentos se aglutinan con un medio sintético artificial de tipo acrílico. Se disuelve en agua.

Óleo: Pigmentos aglutinados con aceite de linaza. Se disuelve con esencia de trementina (aguarrás). Secado muy lento. Excelente pero muy poco recomendable para el aula de Primaria.

Temple: Hay varios tipos de temple, según el aglutinante que usemos (a la cola, al huevo, a la caseína, etc.). Suelen ser solubles en agua. Se puede aplicar sobre tabla, lienzo o muro (sin humedad).

Fresco: Se pinta sobre un mortero de cal y arena fresco, sólo con pigmentos minerales solubles en agua. Una vez seco el mortero, el color queda incorporado a la mezcla y es totalmente permanente. Las pinturas al temple y al fresco se iniciaron en el mundo antiguo grecorromano y egipcio.

Las técnicas de grabado, al igual que el papel, tienen su origen en China y las primeras técnicas de grabado se desarrollaron entre los años 600 y 900. En Europa el papel fue introducido por los árabes y la primera fábrica se estableció en España alrededor de 1150. Los primeros grabados se realizan en el s. XV cuando el papel se convierte en un artículo corriente, como consecuencia de la invención de la imprenta por Johann Guttemberty de la edición de libros, que supuso una gran demanda de grabados para incluirlos como ilustraciones.

Estampado con sellos y cuerpo:

Monotipos en cristal:

Tórculo:

Grabado en linóleo: técnica de grabado en relieve sobre una plancha de linóleo.

Xilografía: técnica de grabado en relieve en una plancha de madera, donde se realiza el diseño en relieve mediante gubias.

Aguafuerte: técnica de grabado en hueco, donde se realiza el dibujo con buril sobre plancha de cobre o zinc y posteriormente se sumerge en ácidos que corroen el material en los lugares donde no está protegido por barniz.

Litografía: se realiza con lápiz graso o tinta especial sobre una piedra calcárea muy compacta y homogénea.

Técnicas de mosaico.

Las técnicas de mosaico más usuales son:

– El Collage

– El mosaico

1. Piedra

2. Vidrio

3. Madera y otros (taracea)

4. Enguijarrado

5. Etc.

El Collage.

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un «collage» se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque.

El Mosaico

El mosaico es un arte decorativo, donde la obra está compuesta de teselas, que son pequeños fragmentos de cerámica o piedra, que se disponen en orden para crear imágenes. Las variaciones de color, material y aplicaciones son infinitas, por lo que habitualmente se llama mosaico, por extension, a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Dentro del mosaico hay de varios tipos:

Mosaico de piedra.

Mosaico de vidrio.

Taracea en madera.

Otras técnicas tradicionales

Vidrieras.

Las vidrieras son un conjunto de vidrios de colores que forma motivos ornamentales o abstractos, incluso figuras e imágenes, los cuales van a ser cortados en fragmentos según el diseño establecido, y posteriormente unidos mediante “lingotes” o varillas de plomo soldadas entre sí mediante estaño. Fue el principal sistema de cerramiento utilizado en la arquitectura religiosa de los siglos XI y XII y una de las artes principales en la Edad Media.

Las vidrieras se pueden imitar muy bien con materiales escolares, y dan muy buen resultado.

Técnicas de imagen fotográfica e infográfica.

2 tipos:

– Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

– Técnicas infográficas.

Cámara oscura:

Primer daguerrotipo.

Primer negativo:

Película fotográfica (negativo):

Primera cámara de cine (hermanos Lumiere):

Video:

Cámaras digitales:

Arte digital:

Realidad virtual.

Modos de expresión no basados en la creación de objetos ni imágenes

– Expresión con el cuerpo

– Creación de situaciones: happening, performance, etc.

– Land Art

– Etc.

Performance:

El artista trabaja con una situación (parecido a una actuación, pero sin guión cerrado previo): la obra de arte es lo que sucede en esa situación que el artista provoca: normalmente se ofrece para que el espectador reflexione.

Land Art o “arte de la tierra”:

Crea las obras actuando directamente en el medio natural.

Algunas nociones elementales

Pasos habituales en arte:

– Bocetos y pruebas

– Modelo

– Obra definitiva

Del modelo o idea original a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio. Es muy frecuente que antes de realizar la obra definitiva, se hagan uno o más bocetos.

También es frecuente que elaboren uno o más modelos (a veces muy acabados), que usaran de referencia para hacer la obra final.

Además es frecuente hacer:

– Maquetas

– Fotomontajes y diseños por ordenador

Maqueta:

Dibujo que proporciona la apariencia general de un diseño, indicando, por ejemplo, la posición del texto y de las ilustraciones.

Fotomontajes y diseños por ordenador

Realizado por:

– Ana Calero Flores

– José Mª Calero Flores

– Mané Guerrero

– Francisco Batista Rodriguez

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  • anitacalero: jajajaja... =) thank you!
  • Adrian Clavijo: Me encanta tu blog, está muy curradooo!!!!sigue así...
  • Mr WordPress: Hi, this is a comment.To delete a comment, just log in, and view the posts' comments, there you will have the option to edit or delete them.

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