Anitacalero's Blog

Este día, José Pedro nos habló de una narrativa, que tenemos que hacer, donde podemos hacer lo que queramos, un video, una permormance etc…Y bueno, debido a los exámenes no hemos podido realizar este trabajo en su tiempo, pero gracias al profesor nos lo ha cambiado para el día 16 de febrero. La clase se ha dividido en grupos de 6 o 7 personas y en mi grupo somos:

Isabel Faustino, Rocio Asian, Felipe Sanchez, Maria Hernández, Marina Ballesteros, Rocio y yo.

Mapa Conceptual tema 5!

Realizado por:

-Ana Calero Flores

-José Mª Calero Flores

-Francisco José Batista

-Emmanuel Guerrero

En la tercera práctica, José Pedro nos dijo que teníamos que hacer una caja de identidad. La caja de identidad consiste en que hagamos una caja a nuestro gusto. Poniendo cosas que nos identifiquen, por ejemplo cosas que nos den miedo, cosas que nos gusten, que nos hagan felices…etc. Y dentro de la caja, meter objetos que tengan gran importancia en nuestra vida, como por ejemplo, fotos de la familia, algun regalo de una amiga, una postal…Ahora os voy a explicar paso por paso como he realizado mi caja de identidad y qué cosas me gustan, me divierten o me dan miedo.

En los lados de la caja, como podeis ver, lo he decorado con lacitos de papel rosa. Lo he decorado así para que le de un toque femenino y esté más bonita.

En este lateral, he dibujado un paisaje. Con esto, quiero expresar que me encanta la naturaleza, el mar, el paisaje, las tardes de sol en invierno, el campo y he dibujado un banco porque expresa que soy romántica y que me encanta sentarme con mi novio en las tardes de invierno o de verano…me da igual, lo único que tiene que haber es un buen clima.

En este otro lateral, expreso que me encanta comprarme ropa y sobre todo en mi tienda favorita: ZARA!

En este lateral  como podeis ver es fácil lo que quiero expresar. Sí, me apasiona escuchar música, sobre todo cuando esto un poco depre…aunque cuando estoy contenta también jaja. Además me gusta mucho escuchar música por las noches antes de dormirme,me relaja mucho.

Aquí, bueno…también es fácil de acertar jaja, me gusta mucho los dulces jaja, sobre todo la bolleria industrial como los bollycaos, la magdalena de chocolate, en fin…y mucho más! pero yo lo como con modalidad, siempre es importante estar bien :)

En la tapa, había que dibujar un cuadro de los cuarenta principales pero a nuestra forma. Como si nosotros fuéramos  famosos pintores que nos copiamos de famosos pintores, en concreto de Dalí (La mujer en la ventana). Bueno, aquí he cambiado el día por la noche, lo he cambiado porque me gusta más la noche que el día y es cuando la juventud sale siempre, por la noche. También he cambiado la vestimenta de la mujer, porque era un poco anticuada, tenía la falda más larga, prácticamente le llegaba a las rodillas y bueno pues yo se lo he cortado un poco, también en el pelo, lo tenía recogido y yo se lo he puesto más largo y lacio. Y por último he dibujado un florero, porque me gustan las flores. Aquí os dejo el verdadero cuadro (aunque “supongo” que la mayoría de la gente lo conocereis), para que veais las diferencias:

Y por último me queda por explicar la parte interior, que está decorada con fotos de una de las personas más importantes y de las que más quiero en mi vida, mi novio y yo. Y lo he puesto en el interior porque es más personal. Bueno esto es todo, espero que os haya gustado! =)

LA IGUALDAD ENTRE HOMBRES Y MUJERES, FICCIÓN O REALIDAD.

¿Qué entendemos por igualdad? ¿Existe igualdad en los tiempos que corren? ¿Influyen las diferencias culturales en la igualdad entre hombre y mujeres?

Lo que normalmente entendemos cuando utilizamos la palabra igualdad es el trato idéntico que un organismo, estado, empresa, asociación, grupo o individuo le brinda a las personas sin que medie ningún tipo de reparo por la raza, sexo, clase social u otra circunstancia plausible de diferencia o para hacerlo más práctico, es la ausencia de cualquier tipo de discriminación.

En la actualidad cada vez existe más igualdad entre hombres y mujeres, pero un campo en el que rara vez exista igualdad es en la forma de vestir; como podemos observar en el cuadro de Renoir titulado “Los Paraguas”, en este cuadro vemos la gran diferencia que existe en la vestimenta, ya que en el siglo XIX, siglo en el cual el autor pintó el cuadro, la mujer no solía vestir pantalón. Sin embargo, en la actualidad la mujer ha cambiado la forma de vestir, y aunque usa pantalón y otras prendas de vestir más parecidas a las vestimentas del hombre que antes no se usaban, todavía hay una gran diferencia en la forma de vestir entre el hombre y la mujer.

La mayor igualdad entre hombres y mujeres, que puede observarse en la creciente participación de las mujeres en diferentes escenarios –laborales, políticas, domésticas, académicas, culturales- no siempre se acompaña de cambios ideológicos que hagan posible la independencia y autonomía de las mujeres, ni de transformaciones estructurales que sostengan nuevos modelos de relaciones de género.

Un gran cambio que caracteriza nuestra época, y que afecta de forma singular a la vida de las mujeres y de los hombres, es la progresiva incorporación de las mujeres al trabajo remunerado y su acceso a casi todos los ámbitos de la vida pública, la educación, la política, la industria, los sindicatos, la sanidad, la justicia, etc. Pero este avance sigue acompañado de discriminaciones salariales para las mujeres, infra representación en los niveles más altos de la escala salarial y una segregación sectorial y profesional elevada, que no hay indicios de que vayan a reducirse a pesar del número cada vez mayor de tituladas.

Si echamos la vista atrás y comparamos la situación de la mujer hace no muchos años, podemos observar que día a día la mujer tiene un papel más importante en la sociedad.

El logro de mayor igualdad entre hombres y mujeres sigue siendo hoy un objetivo. Las desigualdades entre hombres y mujeres perviven en los cambios sociales, económicos, tecnológicos, etc. que se han producido en los últimos años. A pesar de los avances de las mujeres, sobre todo en las últimas décadas, todavía queda mucho camino por recorrer para que hombres y mujeres sean iguales de verdad.

En los últimos años se está dando un fenómeno social que no es nuevo pero sí que se manifiesta abiertamente con la consiguiente alarma social, sobre todo porque vulnera el primero de los Derechos Humanos: el derecho a la vida y, en este caso, el de la vida de las mujeres. La violencia contra las mujeres pone de manifiesto que, tras los cambios formales, perviven las formas más crueles y arcaicas de dominación de los hombres sobre las mujeres.

Si hablamos de violencia ya no estamos hablando de una simple desigualdad, es como hemos dicho anteriormente una violación de los derechos humanos de las mujeres.

Entonces cabria replantearnos la siguiente pregunta: ¿se considera esto un paso adelante, un paso hacia la igualdad, o estamos repitiendo conductas de nuestros antepasados, conductas detestables? Evidentemente estas conductas no son fomentadoras de la igualdad, ya que anteriormente la mujer era menospreciada y estaba a las órdenes de su esposo, carecía de poder de decisión y actuación, introduciéndose en una sumisión total a su cónyuge, si estaba casada, o a su padre en caso de que no lo estuviese. Era tratada de una forma violenta y agresiva. Esto queda claro en la obra “el rapto de las hijas de Leucipo” de Peter Paul Rubens.

 Podemos observar como son llevadas a fuerza, en contra de su voluntad, ya que evidentemente esta era nula.

Pero como bien he dicho antes esto no es una nueva conducta, ni mucho menos, es producto de una larga tradición en la que lo que se valora en los hombres está unido a la fuerza y a la capacidad de dominar el mundo y, en particular, a las mujeres y, donde también, se considera que el papel de las mujeres es el de cuidar y mantener las bases en las que se asienta ese mundo de corte masculino.

 

Esta tradición, aún hoy y con cierta frecuencia, se trasmite a niños y a niñas a través de los diversos ámbitos educativos.

Por esta razón, es necesario un cambio del modelo educativo, no podemos seguir con esta absurda y horrorizante tradición. Para que esto sea posible se requiere la eliminación de las barreras de la discriminación y del prejuicio.

Hay que hacer posible que la igualdad pueda alcanzarse a través de reformas en las estructuras democráticas que garanticen la educación en las mismas condiciones de oportunidad, de trato y de logro a ambos sexos y, en consecuencia, la libertad de elección.

Se considera, por tanto, que el ofrecer igualdad en la educación a los dos sexos es condición necesaria para que las potencialidadesindividuales de mujeres y hombres puedan estimularse y desarrollarse. En algunos países las mujeres son iguales que los hombres y pueden hacer lo que quieren pero en algunos otros no es así, por ejemplo a las mujeres les vendan los pies y a los hombres no (al parecer aun sucede en algunos poblados en China).

 

 

En México, en algunos poblados, las mujeres no tienen derecho a votar o a ir a la escuela. En Japón, las mujeres deben ir un paso atrás de los hombres. En la mayoría de países, a las mujeres se les paga menos que a los hombres.

 

 

En México, en algunos poblados, las mujeres no tienen derecho a votar o a ir a la escuela. En Japón, las mujeres deben ir un paso atrás de los hombres. En la mayoría de países, a las mujeres se les paga menos que a los hombres.

Con esto dicho observamos que las diferentes culturas influyen fuertemente en las relaciones entre hombres y mujeres según en el país que nos situemos.

Alguna vez te has preguntado, ¿cómo serías si hubieras nacido o criado en otro lugar?

Probablemente tus gustos, creencias y actitudes serían distintos. ¿Por qué? Simplemente nuestra posición en el “Globo Terráqueo” establece una cultura en nosotros y a su vez una sociedad que influye en nuestro pensar, sentimientos y comportamientos. Es entonces esta la causa de las discrepancias entre los individuos de diferentes países.

Desde la antigüedad podemos visualizar como estas diferencias nos han afectado como sociedad e individuos.

Estos cambios culturales ya sean repentinos o con el paso del tiempo afectan las creencias religiosas, nuestra forma de hablar, vestir y hasta de comer, entre otras.

Los choques culturales crean una percepción desconocida sobre lo nuevo. El desconocimiento crea una confusión e incomprensión que culmina en lo que hacemos los seres humanos sin pensar; juzgar a los demás. Esto trae consigo la gran intolerancia que existe en el mundo ante las formas de pensar y de actuar diferentes entre unos y otros.

¿Nos haría daño un poquito de tolerancia hacia los demás?

Suena fácil, pero es algo bastante difícil de hacer pues en cada uno de nosotros el ambiente ha sido distinto y ya existen unos parámetros establecidos por nuestra sociedad (puertorriqueña) y si alguien se sale de ellos es algo difícil de aceptar.

A pesar de las diferencias culturales que existen en todo el mundo y que han existido siempre, Brancusi quiere mostrar con su escultura “El Beso” la igualdad entre el hombre y la mujer en todos los sentidos uniéndolos en un acto, el beso.

En la época clásica el matrimonio era un contrato entre el padre y el esposo, que venía a significar un traspaso del derecho de tutela sobre la mujer. La dote era la aportación económica, en dinero o en tierras, que debía ser entregada por el padre al contraer matrimonio una hija; su cantidad debía estar de acuerdo con la situación económica de la familia. El matrimonio se realizaba entre miembros de una misma familia, incluso estaba mal visto el que el padre consintiera en casar a su hija con una persona extraña. La edad media para contraer matrimonio era de 14 años para las mujeres y de 30 para los hombres. Esta diferencia de edad se debía a que el marido, al ser un tutor, debía tener la edad suficiente para ejercer los derechos de ciudadanía.

Actualmente la sociedad atraviesa por una crisis que repercute en el terreno social y moral. El índice de divorcios es cada vez más elevado y se da principalmente en parejas a las que se podía haber orientado mejor acerca de lo que es el matrimonio. Las parejas tradicionales se encuentran atravesando crisis, porque sus modos de relación ya no se acomodan a la realidad de hoy. Igualmente las formas y maneras de amarse también están sufriendo modificaciones. La mujeres, los negros, los minusválidos, todos piden su inclusión y reconocimiento y exigen su lugar en el mundo. La comunidad homosexual también ha alzado su voz. Hablar sobre la homosexualidad hoy en día es un tema que causa, para algunas personas, reacciones negativas, prejuicios e incluso hasta parecen sentirse insultados en sus principios.

 La homosexualidad está en todos lados y en todas las clases sociales, en todas las profesiones y en toda clase de culturas.

Como podemos observar en la obra de los hermanos Van Eyck “El Matrimonio Arnolfini” un claro ejemplo del matrimonio del siglo XV.

La infidelidad a lo largo de la historia ha sido concebida de formas muy variables, y aquí están algunas de infidelidades que ha cambiado el curso de la historia:

En Grecia, los hombres imponían las reglas, por ejemplo Demóstenes hizo su propia clasificación: “a las amantes las mantenemos por puro placer, a las concubinas (esclavas) para la atención diaria de nuestra persona y a las esposas para que nos proporcionen hijos legítimos y sean nuestras amas de casa”.

De acuerdo a la leyenda de Troya en el año 1300 AC, después de que París raptara a Helena, esposa de Menelao, el líder afectado recibió el apoyo de su pueblo para sitiar a Troya durante diez años. La guerra dividió a los mismos dioses y terminó con la decadencia y destrucción de aquella ciudad.

En la Antigua China, “la gran mujer de la casa manejaba todos los problemas internos y rara vez, creía conveniente hacer que el hombre interviniera. Según Osvaldo Quijada, “La mujer se preocupaba del rendimiento del hombre hasta el punto que si el marido comenzaba a trabajar con desgano, comprendía que había llegado el momento de buscarle una nueva y más joven esposa”. Al ubicarla, le pedía a él, que fuese a solicitarla como segunda esposa o iba ella misma. Tal actitud no constituía un sacrificio. La nueva esposa o concubina, estaba obligada a trabajar bajo la autoridad absoluta de la más antigua”.

En la Edad Media Europea, en los últimos años del siglo XIII se introdujo el amor cortés, código de comportamiento que definía las relaciones entre enamorados de la nobleza. Este amor defendía la base de que el matrimonio era un contrato civil, un puro trámite, fuera de él se podían tener amantes a los que se amaba realmente, esto no suponía infidelidad para el matrimonio y ésta era más fuerte incluso entre amantes que entre marido y mujer.

En las sociedades existentes antes de la conquista de México ya era conocido el delito de adulterio. Por ejemplo, Los Aztecas castigaba a los sorprendidos infraganti lapidándolos o estrangulándolos.

– Con todas estas historias quiero remarcar que siempre independientemente de la cultura que se encuentre y de lugar en el que este ese papel de infiel se lo presuponen a la mujer, hecho que aunque nos parezca un poco descabellado aun pervive con nosotros, ya que si una mujer se acuesta con varios hombres es tachada de prostituta pero sin embargo si lo hace un hombre es alagado como campeón por todos sus amigos.

-Claro está todo esto se visto reflejado en nuestra forma de construir la realidad, como sabéis la principal forma de percibirla son la imágenes antaño eran los cuadros y esculturas, (Matrimonio Arnolfini en el que se ve un perro a los pies de la mujer símbolo de fidelidad), aquí se ve muy claramente a quien le presupone la infidelidad. Y hoy día tenemos los medios de comunicación y entre ellos quiero destacar la publicad medio por el cual nos bombardean cada día con fantasías sexual para llamarnos la atención hacia su producto:

-Si analizamos la imagen detenidamente vemos como la cabeza de la mujer está en el cuerpo de otro hombre diferente al de su marido. Como conclusión ¿creen que así abra algún día igualdad plena?

Realizado por:

-Ana Calero Flores

-José Mª Calero Flores

-Emmanuel Guerrero

-Francisco José Batista

TEMA 4B: MODELO DE COMPRENSIÓN CRÍTICA DE LA CULTURA VISUAL COMO MODELO ACTUAL MÁS RICO Y UTIL.

Mapa conceptual tema 4B

Una EA más innovadora y enriquecedora. Propuestas en torno a la EA como comprensión critica y per formativa de la Cultura Visual, ligada a la reflexión y a la noción de construcción social de la realidad, la identidad o la performatividad. Una Educación para la re-construcción/construcción del conocimiento Y PARA LA ACCIÓN.

Fundamentos para una EA más innovadora y rica.

MODELO E) Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la CULTURA VISUAL

Surge a finales del s.XX

•Se plantea una educación artística:

–más significativa, que tenga más sentido para el alumno y aborde el mundo en el que realmente vive (que trabaje no sólo con el pasado y con contenidos enlatados, sino con lo actual, el presente, lo emergente,)

–más abierta y plural (que abarque no solo las artes tradicionales, sino todo lo visual)

Para el modelo de comprensión crítica, cualquier imagen es importante y puede ser analizada/estudiada: todas son relevantes estéticamente.

Una comprensión crítica de la Cultura Visual repara en la importancia enorme de las imágenes y en su capacidad de agencia (que es también una posibilidad para desarrollar la nuestra).

PODER DE AGENCIA: Poder para actuar en el mundo y cambiarlo a partir de la reflexión y del ser consciente de cómo puede hacerse el cambio, cómo podemos actuar en la realidad.

•Afirma que no se trata de “leer” una imagen, sino de comprenderla críticamente, en profundidad. Sostiene la necesidad de construir interpretaciones para comprender reflexionar sobre cómo las imágenes, y lo visual construye la realidad (y nos construye a nosotros mismos). Y que la interpretación puede cambiar dependiendo del momento histórico, la cultura desde la que se miran, e incluso dependiendo de cada uno.

•El espectador es un intérprete, y el asunto es que puesto que la interpretación cambia conforme cambia la realidad, la historia del arte no puede pretender un conocimiento definitivo o absoluto de su objeto. Aunque esto desde cierto punto de vista pueda parecer una limitación, es también una condición imprescindible para el desarrollo: una vez que la visión quede colocada del lado de la interpretación, y no de la percepción, y una vez que la historia del arte admita el carácter provisional o la irremisible inconclusión de su empresa, entonces acaso se hayan puesto los cimientos de una nueva disciplina.

Norman Bryson (1991; 15)

•Promueve que el alumno investigue y busque sus propias interpretaciones y producciones de lo visual, pero siempre a partir de una documentación seria, rigurosa y amplia y siempre que sea posible interdisciplinar (conocimiento complejo). No se trata tanto de aprender a percibir, como de aprender a observar para comprender lo que vemos, lo que somos, lo que nos rodea, etc. y aprender a actuar en el mundo.

•El alumno no es un “consumidor de imágenes”. Las imágenes construyen la realidad, la interpretan y la simbolizan. Las imágenes influyen en su identidad y en su modo de ser/comportarse. Pueden afectar a su libertad y a su criterio. Por eso es necesario saber qué pasa en y con las imágenes (ideologías, discriminación, poder, publicidad oculta, etc.) y aprender a convivir críticamente con ellas, y también a trabajar y reflexionar sobre los modos en que se construye la identidad propia y de los demás, sobre cómo está construída la realidad, qué valores culturales se proponen, etc (perspectiva autorreflexiva).

Las imágenes son el producto final de interacciones innumerables, entre otras. Cualquier cosa, cualquier obra, cualquier persona está en una relación recíproca e inseparable con el medio en el que existe.

Esto significa que para entender/conocer bien algo hay que hacerlo atendiendo igualmente al contexto (el medio, el ecosistema) en el que existe: COMPRENSIÓN ECOLOGIZANTE. El ejemplo de los supervivientes de un accidente de aviación en los Andes: comer carne humana es algo execrable, pero en el contexto donde tuvieron que sobrevivir durante 72 días era la única opción razonable. Si no tenemos en cuenta el contexto, no podremos entenderlo.

Nuestra comprensión del mundo es inseparable de la cultura en la que vivimos (contexto, eco-sistema).

Las imágenes a su vez influyen en todo lo que hemos visto:

•Sociedad, imaginario, cultúra, tópicos, modas,…

•Modos de ver y construir la realidad

•Modos de sentir, de relacionarse las personas, etc.

•Ideologías, creencias,…

•Comportamientos, conductas, performatividades, etc.

•Identidades grupales e individuales. Identidad propia. Las imágenes nos construyen, nos “sitúan”

•Etc.

LAS IMÁGENES SON ANTE TODO UNA POSIBILIDAD DE REALIDAD, EXPERIENCIA Y ACCIÓN, UNA POSIBILIDAD DE LLEGAR A SER LA REALIDAD, NUESTRA MIRADA, NUESTRAS IDEAS, NUESTROS IMAGINARIOS… NOSOTROS MISMOS.

Procura crear imágenes y narrativas que utilizan diversos alfabetismos (aural, sonoro, icónico, etc.) y usando medios diferentes: educar en los polialfabetismos porque una de las exigencias contemporáneas es ser capaz de construir argumentos y narrativas en soportes multimodales, que combinan lo escrito, la imagen, el sonido, etc. Producciones divergentes, distintas, que supongan posicionamientos diferentes.

Lo interesante no es tanto “aprender a dibujar” como si dibujar (o pintar o modelar, etc) fuera un objetivo en sí mismo, como aprender a usar el dibujo, la fotografía, el vídeo o cualquier otro procedimiento para poder crear explicaciones y naraciones (historias, imágenes, actuaciones, etc.) que posean sentido y que permitan a las personas expresar, criticar, sentir, conocer, actuar, etc. PARA COMPRENDER LA REALIDAD Y A SÍ MISMOS desde la Libertad, la autonomía y el conocimiento.

El modelo de Comprensión crítica y performativa de la CV tiene muy presente que diseñar y crear imágenes, objetos, narrativas visuales, etc. es imprescindible.Hay que construir imágenes para dialogar con las que existen, para producir contra discursos, para crear narrrativas alternativas, para explicitar asuntos,…

“De la misma manera que es muy difícil desvincular los procesos de lectura y escritura, así mismo, la comprensión y la creación de imágenes son dos caras de la misma moneda visual. La mejor manera de saber que son y qué sucede con las imágenes fotográficas, con un dibujo o con un objeto, es haciendo fotografías, dibujos y construyendo objetos” (Ricardo Marín Viadel).

“La producción artística es un camino crucial para la comprensión, en parte porque el proceso y el producto de la creación artística permiten a los alumnos experimentar con conexiones creativas y críticas entre forma, sentimiento y conocimiento. Capacita a los alumnos a través de su expresión de ideas y la construcción de identidad, ya que les hace conscientes de las motivaciones, intenciones y capacidades artísticas de otros.”

Y hay que hacer públicos los productos y las imágenes que se hacen; hay que dar un sentido a lo que se construye.Hay que compartirlo, defenderlo, saber argumentarlo.

El modelo de Comprensión crítica y performativa de la CV exige calidad siempre, y evitar “lo cutre”. Los productos tienen que ser el resultado de un trabajo consciente, cuidadoso, dispuesto para ser mostrado.

Dominar la herramienta es necesario para poder usarla y obtener calidad, por eso es preciso establecer tiempos y ejercicios de “adiestramiento”. Pero se pueden buscar motivos y dinámicas que faciliten el aprendizaje, lo hagan significativo para los alumnos e implique su interesy/o emotividad.

Trabaja la creatividad, porque es uno de los valores más importantes para la libertad personal y comunitaria y también para el mercado del trabajo futuro, pero no lo hace de modo anecdótico, sino aplicándola a la reflexión, a la comprensión, a la resolución de problemas (formales, prácticos, etc), al trabajo con temas emergentes, a la investigación sobre la identidad, al estudio sobre los imaginarios, a la acción para mejorar el contexto, a la construcción de narrativas con sentido, …es decir aplicándola como un poderoso instrumento cognitivo, expresivo, narrativo, performativo. Considera tan importante el proceso y los productos, como la reflexión sobre el proceso y los productos: reflexionar sobre el proceso seguido es fundamental; la reflexión final es tal vez el producto más valioso. Cree que el desarrollo de la capacidad de metacognición es básico para la Libertad y para un aprendizaje significativo.

Tiene muy en cuenta al alumno, su voz y su deseo. El alumno es el centro del proceso de aprendizaje, no los contenidos. No se trata de que repita, sino de que aprenda y cambie. MIENTRAS LA ESCUELA “DESARMA” AL ALUMNO Y LO CONVIERTE EN UN REPRODUCTOR DE PRÁCTICAS SIN SENTIDO O DE INTERPRETACIONES HECHAS.

Fuera del aula, las personas somos cada vez más actores y espectadores a la vez, a diferencia de lo que ocurre en clase… Como ya vimos, la gente está en la imagen…ES IMAGEN.

El alumno como protagonista de su aprendizaje.

Premisa.

•Trabajar la pasión por aprender; el “deseo”

Una alumna comentó:

La verdad es que tanto la asignatura como su contenido me han sorprendido positivamente. Para mi esta materia siempre ha sido un auténtico “coñazo” al que no le encontraba utilidad ninguna, puede ser porque los profesores que me la impartieron en la escuela de lo único que se preocuparon fue en mandar trabajos absurdos y en dar explicaciones incoherentes a asuntos que a la mayoría no nos interesaban. Hay que trabajar con algo que a los alumnos les fascine, que les atrape, que les rete…no que “les guste”.

No implica necesariamente trabajar “lo que ellos quieren” o “lo que les gusta”, sino lo que les interesa, les implica, les desafía, les cuestiona…Un tema que nos involucra y nos plantea retos; un tema que puede ser relevante para cada uno de nosotros, para la comunidad, para entender el mundo… Tiene que ser un viaje fascinante. Nunca se tratará de un tema puntual o de una cuestión que admite una respuesta simple y lineal (o que ya sabemos). Buscaremos cuestiones complejas.

Tampoco se tratará de un problema dado, es decir, de un problema que tiene una solución (más o menos flexible o polifórmica), pero una solución. No se trata sólo de proyectar un video, pintar un cuadro, crear una performance…

Ventajas de las preguntas (o problemas o desafíos) complejos: Preguntas complejas: preguntas que no se pueden contestar con una respuesta única ni sencilla. Facilitan un aprendizaje más rico que las preguntas simples. Su valor cognitivo es mucho mayor que el de las preguntas simples y fuerzan un aprendizaje desde la complejidad.

Trabajar en torno a problemas relevantes y significativos, y sobre todo que nos reten. Trabajar desde cosas interesantes (no desde centros de interés) y siempre que podamos, desde lo emergente. Es necesario tener en cuenta la realidad emergente, lo que es relevante ahora. El sentido (de la Historia, del Arte, de la Literatura, de la Biología) no se puede construir en abstracto.

Y entre lo emergente, es necesario trabajar mucho con arte actual: el arte contemporáneo es muy diferente del arte tradicional, y permite abordar asuntos y experiencias muy complejos. Además, es el arte del tiempo actual. Es especialmente importante trabajar con lo que desafía, lo que vence los estereotipos, lo que es luchador…Siempre partir de problemas, cuestiones, temas,…Transdisciplinares. La mayoría de los problemas de la vida son indivisibles, implican juntos, mezclados, conocimientos y cuestiones muy variadas. Abordar problemas transdisciplinares implica abordar problemas en los que concurren indisolublemente conocimientos de diversas disciplinas.

Transdisciplinares. Conocimiento complejo

-Multidisciplinar.

 El problema se subdivide en cuestiones más pequeñas.

Cada cuestión es abordada por una disciplina con su metodología y enfoque característicos. Se suman los resultados de cada disciplina en un trabajo de adicción.

-Transdisciplinares

El problema se concibe como un problema unitario.

Se aborda en su complejidad No es preciso recurrir a varias disciplinas, sino ser capaz de trabajar en varios frentes (uniéndonos varios especialistas si hace falta, pero no compartimentando el tema). El resultado final mantiene su complejidad y su riqueza, facilitando un pensamiento poliédrico y complejo en su resolución.

Y trabajamos: Estableciendo relaciones “intertextuales”, es decir, entre distintas imágenes, productos visuales, ideas, creencias, etc.

Reflexionando sobre cómo llega hasta nosotros, como nos afecta, cómo nos cambia, cómo construye la imagen que tenemos de la realidad y de nosotros mismos,…Comprendiendo que en gran medida “la vida sucede en las pantallas” y en las imágenes, y que también en gran medida nosotros vivimos a través de ellas.

Pensando quiénes somos y qué papel jugamos en esta sociedad, y en qué medida eso depende de las imágenes, de las prácticas de visualidad, del modo de actuar, vestirse, mostrarse, fotografiarse, grabarse… Haciendo imágenes, creando acciones, actuando sobre lo que nos rodea, siendo críticos, etc.

 Muy especialmente cuando nuestro trabajo se convierte en acción agente, cuando nos lleva a cambiar nuestra mirada, nuestro pensamiento, nuestro contexto y a actuar…aunque sea de manera humilde. Es imposible abordar desafíos complejos en una escuela simplificadora y basada exclusivamente en lo transmisivo.

Re-construyendo el mundo al aprender

Una educación innovadora es más que una metodología .Porque cambia el concepto de educación: ya no es transmisiva/bancaria/reproductiva.

El profesor ayuda al alumno en su búsqueda de información/trabajo, pero no se lo transmite todo (aunque parte de la ayuda puede ser transmitirle conocimiento): es el alumno/a quien construye su conocimiento se trata de ser actores y protagonistas en el proceso de construcción del conocimiento y de comprensión del mundo. El objetivo no es sólo acumular datos, informaciones, técnicas/procedimientos,… sino sobre todo darles sentido desde el yo o desde el grupo: ayudar a la comprensión crítica y la reflexión. No se trata de repetir, sino de re-crear o crear.

1. APRENDER/ENSEÑAR ES UN DIÁLOGO

Pero un diálogo relevante y que exige esfuerzo (buscar, contrastar, a veces memorizar, etc.). Que exige salir del lugar donde estoy y cambiar, que exige “abrir los ojos” y sobre todo modificar mis “estructuras de pensamiento”, que me cambia, cambia al otro y “cambia” la realidad.

 El docente no es aquel que lo sabe todo mientras el alumno apenas sabe nada o lo que sabe es irrelevante. El docente y el estudiante deben poseer voz, aunque lógicamente sea una relación asimétrica. Y la voz de ambos puede ser relevante en el proceso de aprendizaje.

Para que haya diálogo es preciso tener voz.

En la actualidad en los institutos y en la universidad en otras asignaturas, no te dan la opción o no les importan tu opinión y tu manera de ver las cosas, sólo quieren que los alumnos memoricen y aprobemos asignatura, dejando a un lado si han sido comprendidas o no.

2. APRENDER/ENSEÑAR EXIGE NO IGNORAR LA COMPLEJIDAD DE LAS COSAS y problematizar la mirada y lo mirado.

Simplificar a veces puede ser necesario, sobre todo para iniciar un aprendizaje, pero…

La simplificación empobrece la realidad. La simplificación “ya hecha”, “pret a porter” (por ejemplo la de los libros de texto) oculta la realidad, desposee al alumno de su aprendizaje y su saber y es fuertemente autoritaria (e ideologizante). La simplificación incuestionable es una herramienta de poder que priva al alumno de su iniciativa y su libertad y constituye una nefasta educación para la vida.

El papel del profesor no cosiste necesariamente en seleccionar y resumir para hacer inteligible. También tiene que mostrar la complejidad, problematizar lo aparentemente simple o incluso iniciar procesos de aprendizaje sobre cosas que no domina o que le exceden.

Asumir la complejidad IMPLICA ASUMIR QUE CADA COSA ES MUCHAS COSAS A LA VEZ Y ESTÁ UNIDA A TODA LA REALIDAD EN UNA RED MUY DENSA DE RELACIONES SIN LAS CUALES ES INCOMPRENSIBLE.

Pensamos que, no podemos aislar los objetos unos de otros. En última instancia, todo es solidario. Si tenemos sentido de la complejidad, tenemos sentido de la solidaridad. Más aún, tenemos sentido del carácter multidimensional de toda realidad.

Implica buscar más allá de lo “evidente” y cuestionar aquello que nos rodea, el modo en que vemos, que sentimos, que creemos, que hemos aprendido, que nos han explicado…

En la Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la CULTURA VISUAL…

•Una de las claves es aprender a problematizar lo que vemos

•A cuestionar

•A desafiar, a buscar soluciones alternativas, a subvertir,

•ES IMPRESCINDIBLE MIRAR DETRÁS…

Hay muchísimas formas de interpretar la realidad, con lo que la nuestra no es la única ni la que prevalece sobre las demás. La complejidad implica también asumir la necesidad de evitar, como señala Hernández (2000), las “explicaciones correctas”.

Solemos pensar, porque así nos lo han enseñado en la escuela, que hay explicaciones correctas para la mayoría de las cosas. Sin embargo no es así.

Para una gran cantidad de cosas hay interpretaciones muy diferentes. Esas interpretaciones dependen de muchas cosas: ideología, raza, de nacionalidad, ser protagonista u espectador, de la cantidad de información conocida, etc.

Lo que nos enseñan en la escuela, o en la universidad, son cosas que han elegido unas personas determinadas, por ejemplo políticos, a la vez que decidían que no aprendiéramos otras muchas cosas.

No sólo recibimos una educación con datos y materias elegidas por otros. También en la escuela se nos enseña a escuchar, pensar, permanecer, etc. de una determinada manera, a considerar correctas o incorrectas determinadas actitudes, o admirar determinadas cosas de un cierto modo.

La Escuela provee:

•Un discurso habitualmente transmisivo y “bancario” (en el sentido freiretiano de la palabra).

•La narrativa escolar en torno al Arte nos dibuja como espectadores pasivos (en realidad, como consumidores)

•En el caso de la Educación Artística más centrada en crear imágenes y objetos, suelen ser productos visuales predecibles: lo estipulado.

•Ejercicios basados en una sola visión del arte SEPARADA DE LO REAL, REPETITIVA E IGUAL PARA TODOS, de la que se excluye (generalmente) la participación del alumno, los códigos diferentes, la expresión del yo, la presencia del sujeto, la atención a lo emergente y/o lo cotidiano…

En la escuela es necesario trabajar con el mundo, con la realidad y con cada sujeto y es necesario aprender a usar imágenes y medios para actuar en lo real: comunicarse, expresar, criticar, plantear otras posibilidades, influir en lo que nos rodea, etc.

ES NECESARIO DAR LA VOZ Y ARRIESGARSE:

•Enseñar a investigar, a cuestionar, a dudar, a buscar, a construir interpretaciones y a crear propuestas.

•Problematizar y complejizar.

•Encontrar relaciones entre imágenes, ideas, imaginarios, costumbres, modos de mirar, etc. y analizarlas de manera crítica.

•El mundo es cada vez más complejo y difícil: necesitamos personas preparadas para ver esa complejidad y saber trabajar en situaciones muy cambiantes y complicadas.

Es preciso entender que hay no una, sino que hay muchas posibles maneras de entender las cosas.

•El problema es cuando el discurso de poder de la Escuela fuerza la admiración y desactiva la capacidad crítica, la iniciativa, la posibilidad de disenso.

•Cuando no contempla que todo puede ser cuestionado y que hay muchas interpretaciones posibles.

•Cuando no relativiza las categorías y a lo que es categorizado como arte lo convierte en algo indiscutible.

Las obras de Arte…son instrumentos de creación de realidad e identidad, son objetos que procuran fuertes experiencias e influyen en como comprendemos todo lo que nos rodea y a nosotros mismos.

No solo “arte”, también deseo, curiosidad, anécdota, relatos sobre la identidad, dinámicas de poder,… La realidad es muy compleja. Sin embargo, la Escuela tiende a ofrecer explicaciones sencillas para hacerla comprensible. Es preciso tener información de varias fuentes, lo más variada posible, desde distintos puntos de vista.

•Campo abierto a análisis complejos.

•No importa tanto la obra en sí, como su capacidad para aprender a partir y a través suya.

•Promueven la capacidad para construir interpretaciones y abordar los problemas desde supuestos distintos.

•Usa esquemas no proposicionales, formas simbólicas, utiliza la metáfora, emplea la narratividad.

•Proporciona un conocimiento no obtenible a través del lenguaje u otros medios.

 Las artes son “materias mal estructuradas”. Hay materias que (como las matemáticas o el dibujo técnico) se prestan a una estructuración clara y constante.

Otras en cambio no permiten esas estructuras. Decimos que son conocimientos mal estructurados o de estructura compleja. Las artes es uno de esos campos mal estructurados. Como no siguen parámetros ni reglas fijas, para comprenderlos es muy adecuado el estudio de casos concretos, temas específicos, problemas relevantes…

Es cierto que hay algunos conceptos elementales que son parecidos en todas las obras: dinámica de las formas, color…pero también hay aspectos muy diferentes, pero podemos enseñarle a los alumnos a aprender las pinturas de Leonardo Da Vinci, Velázquez que es distinta a las de Picasso.

Es imprescindible tener en cuenta a los sujetos y concebir el aprendizaje como un fenómeno de subjetividad. Aunque el conocimiento sea una construcción social, su plasmación se da en un sujeto individual. No hay conocimiento separado del sujeto que conoce. Por eso éste sujeto que conoce (el estudiante) debe convertirse en el centro de la Educación.

Por eso, el profesor no enseña a un alumno x, sino a Lucía, Juan, Ana o Francisco, éstos, a su vez, forman parte de una colectividad de interrelaciones, el grupo-clase.

El conocimiento es un producto social, pero su plasmación última se da en un cerebro y una vida concretos: en el marco de una individualidad socializada.

No hay conocimientos “acabados”, sino conocimiento por re-construir, por construir, incluso por crear. Es necesario dar sentido a lo que trabajamos: re-construir el conocimiento; para ello es preciso construir narrativas (visuales, verbales, mixtas, etc….del tipo que sean) que asuman la complejidad. Esto trae consigo muchos procesos abiertos en los que habrá que cambiar y variar cuando haga falta.

Trabajar la complejidad exige procesos abiertos. Se deben utilizar procesos que utilizan estrategias de aprendizaje, no programas cerrados, en los que se pueda abordar lo que ya sabe el docente, pero también lo que no sabe. No es lo mismo que el alumno tenga que asumir conocimientos y estructuras creados e impuestos por otro (conocimiento bancario: alienante), que el poder participar en el proceso de construcción de una interpretación racional y documentada de la realidad, una construcción que no sabemos cómo va a ser.

Aquí aprende tanto el alumno como el maestro, por eso es tan rico esta forma de trabajo, por eso hablamos de dar voz a los alumnos y que sean ellos los protagonistas de la educación.

Los niños, las niñas y los jóvenes pueden encontrar que la Escuela puede ser un lugar que les plantea retos, desde unas propuestas en las que ellos y ellas forman parte , y en las que pueden llegar a escribir retazos de su propia historia.

Y asumir que la mayoría de las fuentes de conocimiento que son hoy en día muy relevantes para los estudiantes NO SON ESCOLARES y por tanto es preciso jugar con lo que está fuera. Las tecnologías son un elemento imprescindible en esa construcción: tanto en la búsqueda de datos e imágenes, como en su manipulación, exposición…etc.

Continuamente se fabrican conocimientos, ideologías, visiones de la vida…que nos obligan también a tener en cuenta la incorrección, lo que no nos gusta, lo que nos cuestiona…y A TRABAJAR CON ELLOS PORQUE PUEDEN SER CLAVES.

– Identidad:

-Conducta, performatividad.

-Afectividad, amor, sexo…

Hay que evitar la simplificación y asumir la complejidad, lo que aparece es la incertidumbre tanto por parte de los docentes como de los alumnos, ya que estamos acostumbrados a hablar con miedo, a meter la pata. Lo que nos han enseñado es lo que es, y no cabe posibilidad a otra cosa. Cuando nos equivocamos aprendemos y eso es algo que tenemos que llevar a cabo con nuestros alumnos, enseñarles que equivocarse no es malo sino algo que le va ayudar a emprender un nuevo aprendizaje.

Con el tiempo, la vida te va enseñando que de los errores se aprende, que es necesario equivocarse una y otra vez para abrir los ojos y darse cuenta de muchas cosas de nuestro alrededor que no veríamos de otro modo. No tengamos miedo a equivocarnos, vivamos cada momento tal cual se presente, como si fuera nuestro último día en la tierra.

“LA SABIDURÍA SE APRENDE CON EL TIEMPO”

Es posible una educación en que el conocimiento es construido entre docentes y estudiantes. Las tecnologías son un elemento imprescindible en esa construcción: tanto en la búsqueda de datos e imágenes, como en su manipulación, exposición…

El/la docente:

Es un experto en aprendizajes que aprovecha su creatividad docente, coordina, guía, acompaña, apoya, atento a congresos, seminarios. Siempre en continua formación y actualización, atento a lo que se publica, procura estar al día y contribuir con su investigación, sus experiencias, sus textos…

En este nuevo contexto, el aprendizaje puede ser más horizontal y más crítico, operativo, democrático, que quiebre las normas de homogeneización.

Un aprendizaje en que los tópicos (incluidos los escolares) se cuestionan y se confrontan con múltiples, complejas y heterogéneas realidades.

Un aprendizaje que procura no didactizar los intereses de los alumnos.

• No se trata de convertir sus conductas, sus políticas de imagen, sus artefactos en objeto de estudio y disección.

• Tampoco de negar sus políticas de placer con una postura moralizante.

• Se trata de partir de esos intereses, pero para desde ellos abordar temas relevantes.

Un aprendizaje en que las disciplinas escolares se ven desbordadas por la realidad. Enseñar es siempre enseñar al que no sabe. La primera titulación requerida para poder enseñar es haber vivido. El hombre llega a serlo a través del aprendizaje. El primer objetivo de la educación consiste en hacernos conscientes de la realidad de nuestros semejantes. El aprendizaje a través de la comunicación con los semejantes y de la transmisión deliberada de pautas, técnicas, valores y recuerdos es proceso necesario para llegar a adquirirla plena estatura humana.

Un aprendizaje en el que las nociones de identidad (propia, del otro, del diferente, del grupo) pueden ser fundamentales.

 ¿Porqué las personas se tatúan?

Muchas personas deciden usar tatuajes para expresar su naturaleza artística, sus creencias, o sus sentimientos. En otras palabras para mostrar su individualidad; incluso, hay muchas tribus indígenas que se tatúan como un rito o un culto.

Los tatuajes cumplen varias funciones dentro del pensamiento individual. Actúan en varias ocasiones como reparador de algún aspecto que se considera faltante en uno mismo. Puede servir para compensar situaciones de pérdida, ya sea de un ser querido o de ideales, o de aspiraciones no cumplidas. Puede ser un medio para regular tensiones internas y para expresar afectos y deseos de perdurabilidad.

También el hecho de que sea “para siempre” fue cambiando con el paso del tiempo. Muchas personas se lo hacen con la idea de que pueden ser removidos o transformados en otras cosas cuando el diseño original pierda su sentido, por ejemplo cuando termina una relación de pareja.

También depende mucho de la cultura, la moda, el poder, la ideología…

 

El producto final (o productos finales):

• Puede ser muy diferente: lo importante es que sea un producto “propio”, no una serie de fragmentos de textos, informaciones y/o imágenes recortados y pegados.

• Cuando los alumnos, después de reflexionar y/o investigar e/o informarse, son capaces de hacer una propuesta propia, han aprendido muchas cosas: a gestionar información, a darle sentido, a saberla exponer, etc. También han aprendido sobre el tema que investigaban.

Es preciso entender que hay no una, sino que HAY MUCHAS POSIBLES MANERAS DE ENTENDER LAS COSAS.

“…se requiere no sólo un replanteamiento radical del sistema educativo, sino apropiarnos de otros saberes y de otras maneras de explorar e interpretar la realidad alternativos a las actuales disciplinas escolares. Saberes que ayuden a dar sentido a lo emergente y cambiante y a comprendernos a nosotros mismos y al mundo en el que vivimos, tanto por parte del profesorado como del alumnado.” [Fernando Hernández ]

Hay muchas maneras de hacerlo:

– Procesos de aprendizaje de técnicas aplicados a cuestiones que tienen sentido y/o son un desafío: en vez de trabajar la técnica o el elemento (punto, linea, composición) de modo abstracto, aplicarlo a algo interesante como historias de vida, identidad, comprensión del contexto, etc.

– Creando procesos de aprendizaje abiertos, en los que el alumno tiene que asumir el protagonismo, tomar la palabra, buscar la información, etc. Por ej. blogs abiertos y/o proyectos de trabajo.

– Trabajando con software y procesos que ofrecen posibilidades múltiples y evitando que los resultados sean homogéneos.

– Creando narraciones con sentido, que abordan cuestiones emergentes y/o desafiantes: videoclips, cortos, construcciones tipo caja, dibujos o esculturas que cuestionan, etc.

– Etc.

HEMOS APRENDIDO ESTE AÑO que el arte, las imágenes, las prácticas de visualidad construyen una imagen de la realidad. Construyen, en cierto modo, la realidad. Participan en la constitución de los imaginarios. Eso es mucho más que aprender estilos, formas o técnicas.

EDUCAR A TRAVÉS DEL ARTE (POR EL ARTE)

Educar en el Arte es una opción, Pero es mucho mejor EDUCAR ADEMÁS TRAVÉS DEL ARTE (POR EL ARTE), tanto en lo tocante al Arte como al resto de las materias:

…educación por las artes utiliza pedagogías creativas y artísticas para enseñar todo el curriculum, fomenta la mejora académica, reduce el abandono escolar y promueve transferencia positiva. “ Anne Bamford (en Hernández).

La Educación en Artes Visuales es fascinante. Pero sólo si no se queda en “dibujar bien”, “expresarse” o “saber leer imágenes”, sino que va mucho más allá y explora como las personas construimos y comprendemos el mundo, la vida, la realidad o a nosotros mismos. ESA ES LA TAREA DE UNA ESCUELA QUE QUIERE AYUDAR A LOS ALUMNOS A SER ADULTOS Y CIUDADANOS LIBRES, AUTÓNOMOS Y CAPACES DE PENSAR POR SI MISMOS, DE DECIDIR, DE ESCRIBIR SUS PROPIAS VIDAS, … Y NO MERAS MARIONETAS O TRISTES PAPAGAYOS QUE REPITEN SIN PENSAR LO QUE OTROS LES DICEN (O ENSEÑAN).

Realizado por:

-Ana Calero Flores

-José Mª Calero Flores

-Francisco José Batista

-Emmanuel Guerrero

 

TEMA 4: MODELOS TRADICIONALES DE EA Y RAZONES QUE ACONSEJAN LA EA

Mapa conceptual tema 4!

Modelos habituales en el imaginario docente en torno a la EA.

Simplificando podemos establecer algunas racionalidades sobre la Educación Artística:

a) Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

b) Educación Artística “Historia del Arte” y Estética.

c) Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

d) Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

e) Educación Artística para la comprensión crítica.

  • MODELO A) Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo (Aprender a dibujar).

Es la concepción más antigua. Busca que los alumnos aprendan Dibujo (artístico y técnico) y otras destrezas artísticas. Busca aprender procedimientos y destrezas. Se basa en hacer cosas bien hechas técnicamente y que sean estéticas. Suele basarse en la copia de modelos o de la realidad. Relacionada con el desarrollo de una capacidad estética.

  • MODELO B) Educación Artística para el conocimiento de la Historia, los estilos artísticos, los autores, etc. (Historia del Arte), la Estética y la iconografía.

Se basa ante todo en el conocimiento de datos “objetivos”: estilos, autores, iconografía, listados de obras con sus características principales, etc. Busca un conocimiento “científico” y que todos los estudiantes adquieran un conocimiento estandarizado sobre el Arte. Parte de certezas: las cosas son “como son” y se estudian tal y como vienen en los libros. Se basa en la memoria y en el manejo de protocolos de interpretación.

  • MODELO C) Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión (Modelo de la autoexpresión).

Consideró que había que abandonar las constricciones y las “convenciones“y buscar la expresividad: buscaba la expresividad “espontánea. Concibe el Arte como un modo de hacer emerger emociones, sentimientos, problemas, etc. y como un modo para que el individuo pueda expresarse. Confiere una gran importancia a la creatividad como expresión novedosa y subjetiva. Se deja a los niños dibujar y expresarse libremente. Ya no se persigue imitar o representar: las imágenes pueden ser muy diferentes de la realidad y tienen importancia ante todo por su capacidad expresiva y su “autenticidad”. Este modelo de la autoexpresión se basaba en los nuevos modos de pintar de las vanguardias y en mitos como el de Van Gogh, que se suponía que era un pintor casi autodidacta. También se basaba en el descubrimiento del arte infantil.

  • MODELO D) Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

Buscaba darle cientificidad a la materia, hacerla disciplinar. Afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes (punto, línea, color, etc.). Se supone que aprender el lenguaje es una base inmediata para comprender el arte. Está preocupado por la influencia de las imágenes; busca educar al niño para que sepa relacionarse con las imágenes en un mundo de consumo donde hay muchas. Insiste en una concepción de la imagen como “mensaje”: las obras “significan” cosas, y pueden por tanto “leerse” y decodificarse, distinguiendo los significados explícitos e implícitos de las imágenes. Está ligado a una concepción de la imagen y lo visual derivada del Diseño.

 Ventajas de Dibujar y usar técnicas artísticas:

–Aprender a Dibujar, Pintar, Modelar es bueno porque permite crear historias y representaciones mediante imágenes y objetos. Eso nos ayuda a poder comunicarnos, expresarnos, conocer, etc. más cosas y de una manera mejor.

–Además, ayuda a dominar la psicomotricidad fina (más en Infantil y Primaria que en otros niveles…) y a desarrollar hábitos de orden, capacidad de planificación, capacidad de improvisar y solucionar problemas nuevos, etc.

–Desarrolla la capacidad de autocrítica.

–Desarrolla la visión espacial y refuerza la capacidad de atención.

–Desarrolla el aprecio por las Artes Y ENSEÑA A LOS NIÑOS A VALORAR SU TRABAJO, A SENTIR SATISFACCIÓN INTRÍNSECA POR LO QUE HACEN, A GOZAR MIENTRAS CREAN Y MIENTRAS SE ESFUERZAN.

–Es un APRENDIZAJE INSTRUMENTAL. 

A los niños les suele gustar pintar y dibujar; pero para los adolescentes puede llegar a ser una pesadilla, la mayoría de ellos concluye su formación secundaria que no valen, o que no tienen dotes y dejan de dibujar para siempre.

Es muy importante recordar que hay muchos modos distintos de mirar y de hacer Arte, no sólo uno… El modelo de aprender a dibujar es muy importante pero es insuficiente por si sólo. El objetivo de las Artes no tiene por qué ser la belleza ni la excelencia técnica: hay obras de arte que lo que buscan es criticar, o expresar, o simplemente contar historias.

Se puede desarrollar una cierta destreza estética de maneras muy diversas: es muy importante evitar lo cutre, pero eso no implica asumir cánones de belleza tradicionales. Interesa que los alumnos usen los medios artísticos para aprender. Hay muchas maneras de ver la realidad y de pintar o dibujar. Los alumnos pueden trabajar de maneras distintas. La estética en gran medida es algo cultural, circunstancial. Es necesario que el niño desarrolle habilidades manuales, pero también la creatividad, la capacidad de narrar, de investigar, la capacidad crítica, etc. Si no, su desarrollo será pobre.

ES FUNDAMENTAL NO ABURRIRNOS CON EJERCICIOS DE COPIA, DE REPETICIÓN, QUE NO TIENEN RELACIÓN ALGUNA CON NUESTRA VIDA COTIDIANA Y NO NOS DICEN NADA.

Por otra parte existe un falso mito en torno al aprendizaje procesualista.

-Hacer no es garantía de comprender, ni siquiera de aprender.

-Una gran cantidad del saber relativo a las imágenes y la visualidad exige procesos de reflexión y aprendizaje complejos, para los que no es suficiente sólo con hacer trabajos plásticos.

Tampoco para comprender es suficiente con saber muchos datos, aunque los datos sean importantes y necesitemos del conocimiento de la Historia del Arte, la Estética o de la posibilidad de conocer los repertorios iconográficos.

• Los datos por si solos no dicen nada, no tienen sentido.

• La Realidad de las imágenes es mucho más compleja que conocer un estilo o una lista de autores y obras.

• Las imágenes están “vivas”: no paran de adquirir significados nuevos y de influirnos. Y se relacionan con todo lo que les rodea: son parte de lo real y de nuestra existencia y nuestro modo de ver el mundo.

• Las imágenes son complejas y poliédricas: pueden comprenderse de maneras muy diferentes; tienen muchas posibilidades de acción y de conocimiento.

• Es muy importante que no matemos nuestro interés por el Arte a base de convertirlo en una pesadísima lista de datos: hay que ponerlo en relación con todo. Hay que desarrollar un pensamiento “ecologizante” (las cosas dependen de sus contexto e influyen en él) y relacionar el Arte con el resto de la vida.

Con frecuencia los dibujos de los niños están llenos de estereotipos y de formas aprendidas.

El modelo de autoexpresión, se basa en conceptos contradictorios:

• Si los alumnos tienen que expresarse “en libertad” y sin ser dirigidos, ¿para qué hace falta el docente?

• Falacia del “artista nace, no se hace”: si dibujar es un don, entonces es inútil intentar enseñar a los que no lo tienen. ESE MITO DEL “DON” ES TOTALMENTE FALSO: SE PUEDE ENSEÑAR A DIBUJAR A CUALQUIER PERSONA.

• El desarrollo de la creatividad exige aprender a plantear y solucionar problemas nuevos, a buscar lo desconocido. Los niños a menudo se repiten incansablemente y no quieren dejar de hacerlo.

• Muchas cosas no son creativas, ni auto expresivas, y son necesarias.

En este modelo de autoexpresión podemos aprovechar cosas como:

• Es necesario fomentar en los estudiantes que aprendan a expresarse y a apreciar sus propias creaciones, Y QUE NO SE OBSESIONEN POR EL REALISMO, SINO QUE COMPRENDAN QUE CON EL Arte y las imágenes se pueden hacer muchas otras cosas antes que limitarse a imitar un modelo.

• Para cualquier persona, el arte y el dibujo son medios para conocer y narrar. Es muy importante que los alumnos sepan usarlos para narrar: para construir historias y reflexiones con sentidos, para contar cosas.

• Y tenemos que fomentar que sean creativos, que busquen soluciones diferentes, originales, propias Y QUE NO SEAN SOLUCIONES IRREFLEXIVAS O SUPERFICIALES, SINO QUE TENGAN UN SENTIDO REFLEXIVO.

• Las artes ayudan a desarrollar el pensamiento divergente imprescindible para ser autónomo, creativo y libre.

Un error importante del modelo de autoexpresión era pensar que los niños y adolescentes se expresaban espontáneamente. Como en cualquier otra materia, aprenden más si un adulto les hace trabajar en su zona de desarrollo próxima.

El modelo de percepción/alfabetización, tiene problemas severos:

• Hay autores que niegan que el arte funcione como un lenguaje: las imágenes no tienen significados fijos sino que cambian sin cesar de significado, y no hay una “estética universal”.

• El conocimiento de los elementos de la forma, el color, etc. y de lo técnico no siempre ayuda a entender las imágenes. Saber cómo se han usado líneas o colores no suele hacernos comprender una obra.

• Hace una “lectura” muy superficial de las imágenes, que a menudo nos hace olvidar su interés real y la complejidad que esconden, cómo nos influyen, cómo crean la realidad…

• Las personas no son “consumidores” de imágenes. Es más complejo porque las imágenes nos construyen y co-construyen la realidad.

• Las actividades diseñadas según este modelo, a menudo son aburridas, reiterativas, descontextualizadas y no tienen sentido para los alumnos: son una burla a su inteligencia.

Para algunos tipos de Arte o de Diseño, conocer el “alfabeto visual” es muy útil. Las imágenes por sí mismas no dicen nada: dependen del contexto y de la relación que mantengamos con ellas.

Pero también del modelo de alfabetización visual podemos aprender cosas interesantes:

• Conocer los elementos del “lenguaje visual” puede ayudar a entender mejor cómo se crea una imagen: cómo funcionan los procesos técnicos, cómo componer una imagen, como usar el color…

• Conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos (punto, línea, color, etc.) puede ser muy útil a veces, y nos ayuda a crear mejores imágenes.

Los cuatro modelos que hemos visto obedecen a concepciones profesionales de la Educación ARTÍSTICA.

 Los cuatro modelos de educación artística que hemos visto ofrecen un abordaje muy sencillo del mundo de las imágenes y la visualidad.

¿Es importante enseñar EA?

• Sí, porque es imprescindible para alcanzar las competencias necesarias.

• Sí, porque es imprescindible en el mundo actual.

Competencias básicas: Son aquellas competencias que debe haber desarrollado un joven o una joven al finalizar la enseñanza obligatoria para poder lograr su realización personal, ejercer la ciudadanía activa, incorporarse a la vida adulta de manera satisfactoria y ser capaz de desarrollar un aprendizaje permanente a lo largo de la vida.

Educar en competencias:

• Para integrar los diferentes aprendizajes, tanto los formales, incorporados a las diferentes áreas o materias, como los informales y no formales.

• Para permitir a todos los estudiantes integrar sus aprendizajes, ponerlos en relación con distintos tipos de contenidos y utilizarlos de manera efectiva cuando les resulten necesarios en diferentes situaciones y contextos.

Pero sobre todo es importante enseñar EA porque es imprescindible en el mundo actual.

1. La información visual es cada vez más importante.

• Más de un 80% de las informaciones son percibidas visualmente. En torno al 13% provienen de canales auditivos. Algo más del 5% al resto de los canales perceptivos.

• LAS ARTES VISUALES Y EL RESTO DE MANIFESTACIONES VISUALES SON, CON DIFERENCIA, EL MEDIO QUE MÁS INFORMACIÓN TRANSMITE. Las Artes Visuales, concretamente, transmiten actualmente mucha más información que cualquier de las otras modalidades artísticas.

• LAS RELACIONES DISCURSIVAS CADA VEZ SON MÁS VISUALES, LOS PROCESIS DE ADQUISICIÓN DE INFORMACIÓN Y CONOCIMIENTO TAMBIÉN.

• EL IMAGINARIO VISUAL SE INCREMENTARÁ AÚN MÁS EN LOS PRÓXIMOS AÑOS.

2. Un giro epistemológico, cultural e informacional hacia lo visual.

• Estamos cada vez más insertos en UN NUEVO RÉGIMEN DE VISUALIDAD: UN MUNDO DOMINADO POR DISPOSITIVOS VISUALES Y TECNOLOGÍAS DE LA REPRESENTACIÓN: un campo inmenso de trabajo que incluye las artes tradicionales, pero abarca otros muchos fenómenos propios de las sociedades postindustriales altamente culturizadas, esterizadas y tecnológicas.

• Es preciso “ADQUIRIR UN «ALFABETISMO VISUAL CRÍTICO»que permita a los aprendices analizar, interpretar, evaluar y crear a partir de relacionar los saberes que circulan por los «textos» orales, visuales, escritos, corporales, y en especial por los vinculados a las imágenes que saturan las representaciones tecnologizadas en las sociedades contemporáneas.”

• ADEMÁS DEL ARTE, COMPRENDE UN NUEVO CAMPO DE ESTUDIO, EL DE LA CULTURA VISUAL.

• Finalmente, el carácter altamente estético de la mayoría de los productos y prácticas públicas de nuestra sociedad exige una formación estética lo más amplia posible.

3. Relevancia de lo visual en la construcción y comprensión de la realidad y de lo identitario.

• CADA VEZ MÁS LO VISUAL ES EL REFERENTE PRINCIPAL PARA NIÑOS Y JÓVENES EN LA CONSTRUCCIÓN DE SU COMPRENSIÓN DEL MUNDO Y EN SU PROPIA CONSTRUCCIÓN IDENTITARIA Y SOCIAL:

–PROCESOS DE CONSTRUCCIÓN SOCIAL DE LA REALIDAD A TRAVES DE LAS IMÁGENES.

–PROCESOS DE CONSTRUCCIÓN IDENTITARIA. La realidad es una construcción social; cultural.

Construimos el mundo a través de las imágenes.

Un relato de nuestra propia vida:

Todo nuestro itinerario vital está en las imágenes (propias y de los otros), y es como un espejo para mí, para los otros, a veces para todos los otros.

La vida construida por imágenes hechas por otros:

Muchas veces la única manera de conocer algo es verlo a través de imágenes:

Imágenes cada vez más perfectas, atractivas y potentes:

Que cuestionan las fronteras de lo real y la representación (En imágenes como esta ¿qué es real y que no?)

Las imágenes no son inocentes, están ahí porque alguien lo ha decidido. No podemos olvidarnos que las imágenes construyen lo real y lo hacen visible, influyen en los imaginarios y en las performatividades.

• ES, MUY NECESARIO REFLEXIONAR POR TANTO EN CÓMO LAS IMÁGENES Y OTROS FENÓMENOS Y PRÁCTICAS DE VISUALIDAD CONSTRUYEN LO REAL y nos facilitan experiencias que son la base de nuestro pensamiento, nuestro conocimiento y afectividad.

• ES TAMBIÉN NECESARIO FACILITAR A LOS ESTUDIANTES OPORTUNIDADES DE CREAR IMÁGENES, NARRATIVAS VISUALES, ACCIONES, ETC. QUE TENGAN RELEVANCIA EN SU CONSTRUCCIÓN Y COMPRENSIÓN DEL MUNDO Y QUE LES DEN PODER DE ACCIÓN: DE REFLEXIONAR Y ACTUAR EN LO QUE LES RODEA (PODER DE AGENCIA).

• ESA ES LA FINALIDAD DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA, FAMILIARIZAR AL ESTUDIANTE CON EL MUNDO DE LO VISUAL DESDE UNA MIRADA CRÍTICA Y POSIBILITARLE EL QUE SEPA TRABAJAR CON IMÁGENES Y PROCESOS VISUALES PARA REFLEXIONAR, EXPRESAR, INTERVENIR, REGISTRAR, ETC. EN DEFINITIVA, PARA QUE SEA CAPAZ DE NARRAR Y REFLEXIONAR CON IMÁGENES.

Visualidad y capacidad para construir argumentos y relatos. Narratividad.

Es necesario que los niños y los jóvenes SEAN CAPACES DE CREAR PROPUESTAS, CONSTRUIR CONOCIMIENTO Y NARRAR MEDIANTE IMÁGENES Y RECURSOS VISUALES, UTILIZANDO TECNICAS TRADICIONALES Y también MUY ESPECIALMENTE ABORDANDO LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS DE LA IMAGEN:

–Como ha señalado Bigas Luna, LOS ANALFABETOS DEL SIGLO XXI SERÁN AQUELLOS QUE NO SEPAN NARRAR CON IMÁGENES. Por otra parte Freedman(2006) señala a propósuitodel trabajo con artes visuales que “los alumnos quieren comunicar algo, a menudo sobre cuestiones sociales, y ser comprendidos”

–LA REALIDAD ANTE TODO ES UNA NARRACIÓN: UNA INTERPRETACIOÓN CONSTRUIDA POR LOS SERES HUMANOS. Nararr, y aprender a reflexionar sobre como están narradas las cosas, es muy importante para entender la realidad y manejarse en ella.

Concebir el mundo, comprenderlo, es inseparable de ser capaz de narrarlo, de contarlo. EN UNA SOCIEDAD QUE CONSTRUYE SUS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD PRINCIPALMENTE A TRAVÉS DE MEDIOS VISUALES, ES PRECISO SER CAPAZ DE DE-CONSTRUIR Y RE-CONSTRUIR LAS NARRATIVAS VISUALES IMPERANTES Y LAS NATURALIZADASSI SE QUIERE SUPERAR UNA EDUCACIÓN ACADÉMICA QUE SÓLO ES REPRODUCTIVA.

Las manifestaciones de la cultura visual contienen más información de la que “vemos” a primera vista (Hernández, 2007). Imágenes y productos visuales son medios favoritos para el poder, el mercado, las ideologías, etc. EDUCAR CIUDADANOS REFLEXIVOS, AUTÓNOMOS Y RESPONSABLES PARA UNA SOCIEDAD DEMOCRÁTICA Y LIBRE EXIGE PRESTAR CADA VEZ MÁS ATENCIÓN A LO VISUAL. La mayoría de las imágenes no son producidas por artistas plásticos en el sentido tradicional del término, sino que son el producto final de iniciativas dependientes de poderes políticos, económicos, ideológicos, etc. que no se muetranexplícitamente como encargantes

LAS IMÁGENES POSEEN UN GRAN PODER DE EVOCACIÓN Y MEDIACIÓNEN LA CONSTRUCCIÓN DE REALIDADES Y EN LA EVOCACIÓN DE SENTIMIENTOS, EXPERIENCIAS, NOCIONES DE SUBJETIVIDAD, ETC.

Creatividad.

LA COMPETENCIA CREATIVA ES UNA CAPACIDAD CADA VEZ MÁS DEMANDADA EN EL MERCADO LABORAL DE CALIDAD, porque es preciso responder a un mundo que cambia muy rápidamente y en el que los conocimientos aumentan vertiginosamente.

LAS ARTES VISUALES CONTRIBUYEN INCUESTIONABLEMENTE AL MEJOR DESARROLLO DEL PENSAMIENTO DIVERGENTE Y LA CREATIVIDAD.

La creatividad es uno de los factores necesario para la libertad y la felicidad.

Creación plástica 1.

LOS LENGUAJES Y LAS ARTES VISUALES SON UN CONOCIMIENTO INSTRUMENTAL, es decir básico y necesario no solo para el arte sino parea otros conocimientos (por ejemploparacrear una presentación o un video de calidad)

Cada vez es mayor la IMPORTANCIA DEL SOFTWARE DE CREACIÓN CON MEDIOS PLÁSTICOS Y VISUALES, extendiendosesu uso en todo tipo de contenidos y áreas.

LOS LENGUAJES Y LAS ARTES VISUALES SON UN CONOCIMIENTO INSTRUMENTAL, al igual que los lenguajes alfabéticos y numéricos. Esto queda evidenciado en los múltiples sistemas de comunicación e información basados en representaciones y pictogramas, comenzando por los propios de todas las ingenierías y de la arquitectura y acabando por los códigos visuales de la mayoría de interfaces actuales.

Cada vez es mayor la IMPORTANCIA DEL SOFTWARE DE CREACIÓN CON MEDIOS PLÁSTICOS Y VISUALES, extendiendose su uso en todo tipo de contenidos y áreas.

LA TOTALIDAD DE LOS NIÑOS UTILIZA HABITUAL Y NATURALMENTE MEDIOS VISUALES (ESPECIALMENTE EL DIBUJO) PARA LA REFLEXIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN

•A diferencia de lo que ocurre con otros medios expresivos, CUALQUIER niño es capaz desde pequeño de producir objetos e imágenes con una calidad muy satisfactoriapara sí mismo y muy fácilmente socializable

•El desarrollo del dibujo y de la capacidad plástica en general es un aprendizaje fundamental paraQUE EL NIÑO SEA CAPAZ DE DAR SENTIDO A AQUELLO QUE LE RODEA Y TAMBIÉN A OTORGAR SENTIDO A SÍ MISMO Y A SU ACCIÓN (SUBJETIVA Y GRUPAL). LE PERMITE ADEMÁS CONSTRUIR UNA EXPLICACIÓN PROPIA QUE PUEDE SER HECHA PÚBLICA.

•Para el docente el dibujo permite observar el desarrollo emocionaly cognitivo del alumno y contrastarlo con otras fuentes de información (además y como ya sabemos, la práctica de las artes visuales es decisiva para el desarrollo de la psicomotricidad infantil)

LA FORMA TIENE UNA IMPORTANCIA RADICAL EN CÓMO EL CONTENIDO ES COMUNICADO Y RECIBIDO. Forma y función son inseparables, y en ocasiones la función no es posible si la forma es deficiente. Las Artes ayudan a REFINAR LA SENSIBILIDAD NECESARIA PARA QUE CUALQUIER PRODUCTO (desde una web a un objeto de artesanía, desde un ppt al enunciado de una hipótesis) SEA MÁS EFICAZ Y MÁS ATRACTIVO

•¡Evitar LO CUTRE! Es preciso que los alumnos se acostumbren a buscar la calidad en todo lo que hacen.

La práctica de las Artes Visuales introduce al alumno en el terreno de la EXPERIENCIA ESTÉTICA COMO MEDIO Y COMO FIN PARA OBTENER SATISFACCIÓN PERSONAL Y GRUPAL. Conforme el niño vaya creciendo, la experiencia estética espontánea puede ser complementada con una BUSQUEDA CONSCIENTE DE RESULTADOS CARACTERIZADOS POR LA CALIDAD, QUE ES UNA DE LAS CARACTERÍSTICAS ESPECÍFICAS DEL COMPORTAMIENTO HUMANO(Huygue, 1984).

Las Artes ESTIMULANEL APRECIO DEL PROCESO DE TRABAJO, LA ATENCIÓN POR LA CALIDAD DEL PRODUCTO FINAL, ETCEL ALUMNO NO ESTÁ SATISFECHO CUANDO SU TRABAJO ES CUTRE.

Conforme el niño vaya creciendo, la experiencia estética espontánea puede ser complementada con una BUSQUEDA CONSCIENTE DE RESULTADOS CARACTERIZADOS POR LA CALIDAD, QUE ES UNA DE LAS CARACTERÍSTICAS ESPECÍFICAS DEL COMPORTAMIENTO HUMANO y de muchas manifestaciones del arte(Huygue, 1984)

El trabajo con Artes Visuales implica unos objetivos flexibles (abiertos, expresivos) y la capacidad de trabajar también flexiblemente en todo momento: enseñan la FLEXIBILIDAD DE PROPÓSITO EN EL CURSO DEL PROPIO TRABAJO, LO QUE CUALIFICA LOS ASPECTOS MÁS INTELIGENTES DE LA CONDUCTA ORGANIZADA(incluida la capacidad de improvisar y buscar soluciones “oportunistas”)(Eisner, 2004). El trabajo con ARTES VISUALES MEJORA EL GRADO DE SATISFACCIÓN EN EL CONTEXTO ESCOLAR de alumnos y alumnas.

Aquí os dejo un resumen del 2º capítulo de Marín Viadel, Ricardo: Didáctica de la Educación Artística para Primaria.

La siguiente reseña va sobre un libro de Didáctica de la Educación Artística en Primaria, más concretamente sobre los dibujos en los niños.

Según este autor los niños empiezan a dibujar de forma espontanea y natural, cosa que se puede apreciar perfectamente en los niños, ya que desde pequeños siempre están dibujando algo. El dibujo infantil, según este autor va cambiando conforme el niño va creciendo, de tal forma que llega una edad en la que desaparece.

Algunos autores citados en este libro dan su opinión sobre el dibujo. Piaget decía que los niños dibujaban desde pequeños espontáneamente, pero conforme iban avanzando en edad iban perdiendo las ganas de dibujar, aunque cuando llegaban a ser más o menos adultos esas ganas volvían. Estoy de acuerdo con Piaget a la hora de decir que conforme los niños van creciendo van dejando de dibujar, pero no estoy de acuerdo en lo que dice de que cuando los niños son adultos vuelve a dibujar, ya que no a todos los adultos les gusta dibujar, sólo aquellos a los que se les de bien este arte o algunos que dibujen por placer.

Por otra parte, Herbert Read dijo que el dibujo era un impulso estético en los niños y que era natural hasta los once o doce años, que con la pubertad esa actividad era suplantada por otras. Estoy más de acuerdo con este autor que con Piaget, ya que, aunque los dos autores dicen que en la infancia el dibujo es espontáneo y natural, Herbert se aproxima más a la realidad con la idea de que otras actividades suplantan a la de dibujar.

Con respecto a lo que Antonio Saura decía, es curioso ver cómo algunos pintores desearía tener la espontaneidad de los niños pequeños a la hora de pintar.

Como Piaget decía “ el niño pequeño parece mejor dotado que el muchaco más mayor, en el campo del dibujo y, en ocasiones, en el de la música”. Es llamativo lo que este autor decía cuando, en realidad, todos pensamos que debe ser al revés, que el niño mayor esté más dotado que el pequeño debido a que tiene más experiencia.

A la hora de los niños dibujar utilizan una seríe de técnicas, o rasgos, que les ayudan por ejemplo a dibujar perspectivas. Para un niño una misma forma puede representar infinidad de cosas, por lo que es dificil saber que quiere dibujar exactamente el niño. Los niños también usan una línea de base, que les sirve a ellos para dibujar una persona, por ejemplo, encima del suelo. Otro recurso que utilizan relacionado con el anterior es que los niños dibujan las personas, animales, plantas… perpendicularmente a esa línea de base antes comentada.

Por otra parte, los niños dibujan los objetos más cercanos con un tamaño mayor a los que están lejos, para dar sensación de proximidad o lejanía. También hacen los dibujos representando cosa por cosa, es decir, que los pelos de la cabeza de una persona los dibujan uno a uno, cosa que es muy llamativa, ya que podemos comprobar que todavia no saben dibujar algo en conjunto como un árbol, es decir, que dibujan el árbol hoja por hoja.

Otra característica de la forma de dibujar de los niños es que los niños cambian, a la hora de dibujar, en un mismo dibujo el punto de vista. Por ejemplo, si quieren dibujar a alguien y la nariz no la saben representar bien, lo que hacen es dibujar el cuerpo de frente y lo que es la cara la dibujan de perfil.

El abatimiento también es llamativo , ya que nos da a conocer que los niños no tienen todavía asimilada la idea de profundidad y volumen. Por último, es curioso mencionar cómo los niños a la hora de dibujar un muñeco con un sombrero lo dibujan, pero se ve la parte de la cabeza del muñeco como bien podemos comprobar en el siguiente dibujo:

Al principio en los niños aparecen unos trazos más frecuentes que otros como son los garabatos. Estos trazos o motivos son característicos en niños pequeños y es lo primero que empiezan a dibujar. Un poco después es curioso ver que los niños lo que dibujan es a las personas, quizás porque es lo más cercano que tienen a ellos.

Se han hecho varias clasificaciones sobre los dibujos infantiles. Una de ellas se hace a los 10-12 años, que según este autor es cuando los niños dibujan de forma que se acercan más a la realidad.

Otra clasificación la hace Viktor Lowenfeld, quien distingue tres etapas. En la primera los niños dibujan exagerandolo todo, en la segunda le quitan importancia a algunas cosas y en la tercera lo que hacen es modificar formas. En parte este autor tiene razón, ya que si nos fijamos en los dibujos de niños de distintas edades podremos comprobar que los niños menores hacen los dibujos grandes y exagerados, mientras que los de los más mayores no son tan detallistas.

En los estudios sobre el dibujo infantil, en España destacan dos obras de Elisa López : “Manual de pedagogía del dibujo” y “Práctica del dibujo de la escuela primaria”.

Otros estudios realizados sobre el dibujo infantil, analizan la forma de dibujar de cada persona en particual. Esto me parece llamativo, ya que casi todos los autores clasifican unos tipos de dibujos a unas edades concretas, pero para todos los niños , aunque siempre haya alguno que no cumpla esa clasificación. Esta estudio, en cambio, lo hace individualmente, niño por niño. Este estudio individualizado viene dado por el talento de los alumnos, ya que no todos tienen el mismo talento para las mismas labores.

También es curioso el que los niños y las niñas no dibujen los mismo. Quizás esto se deba a que, como dice Chen y Kantner, las niñas son superiores a los niños en las habilidades del dibujo, los niños dibujan actividades al aire libre, las niñas imágenes domésticas…

Una cosa llamativa en este capítulo, es que cómo enseñar a los niños a dibujar un cubo. Hicieron experimentos con varios niños que fueron agrupados en grupos de 11. A cada grupo se le pidió que en un primer momento dibujasen un cubo de la memoria. Después les daban a los grupos una ayuda, pero conforme iban cambiando de grupos la ayuda era menor. Es fascinante cómo algunos alumnos con tan sólo ver el dibujo son capaces de dibujarlo, mientras que a otros les cuesta más.

Según Lowenfeld y Freinet, los docentes lo que deben hacer es conseguir un clima o ambiente de trabajo favorable, para que los niños vayan madurando y desenvolviendose a la hora de dibujar. Freinet dice que el aprendizaje del dibujo y la adquisición del lenguaje verbal van parejos. En mi opinión, esto no es del todo cierto, ya que hay niños que dibujan desde muy pequeños, pero después tardan más tiempo en hablar.

La forma de dibujar a partir del arte que proponen Wilson y Hurwitz plantea que la mejor forma de aprender a dibujar es a través de las grandes obras maestras. Creo que esa sería una buena forma de enseñar a dibujar a niños de 12 años en adelante, ya que un niño de 2-3 años no sabe interpretar qué es lo que se representa en la obra. Por otra parte estoy de acuerdo con este autor en que el dibujo es una actividad fundamental para las clases de educación artística.

Realizado por:

– Ana Calero Flores

-José Mª Calero Flores

-Francisco José Batista

-Emmanuel Guerrero

TEMA 3C: EL ARTE Y LAS IMÁGENES

Mapa Conceptual tema 3 C

Toda imagen contiene una selección de la realidad, una sintaxis en la que crea un cierto orden, espacio, tiempo y significado y un repertorio de elementos gráfico-plásticos. la materia de Técnicas de expresión gráfico-plástica aporta los conocimientos referidos a los recursos, técnicas, métodos y aplicaciones instrumentales que hacen posible el hecho artístico, concretamente en el campo de la expresión plástica, gráfica y visual. Su finalidad es, por tanto, la adquisición y conocimiento de las técnicas de dibujo, pintura y grabado y el desarrollo de sus procedimientos, que hacen posible la comunicación a través de imágenes. y fomentan la capacidad creadora mediante la experimentación con distintos materiales artísticos, buscando soluciones diferentes y propias. Se trata de conseguir el desarrollo de las aptitudes de cada alumno, utilizando sus conocimientos plásticos y la manera en que pueden ser empleados como herramienta de exploración, desarrollo y expresión gráfica de un proyecto. Además, pretende iniciar al estudiante en el mundo de la artes plásticas, encontrando en el campo de la expresión plástica significado para su vida cotidiana y criterios de valoración propios dentro del ámbito de la plástica en general. Existen infinitos modos de expresar las intenciones del artista, de representar la realidad. Las imágenes pueden tener un gran parecido con la realidad o ser realidades nuevas.

• Según su grado de parecido con la realidad decimos que tiene mayor o menor grado de iconicidad. El grado de iconicidad, significa el valor de identidad de lo representado con respecto de la realidad. Una imagen será puramente icónica cuando muestre un fragmento de la realidad tal como pueda aparecer ante nuestra visión normal, bajo aspectos simples, cotidianos, etc. Iconicidad es sinónimo de realidad. El grado opuesto, la abstracción, cuando lo representado se muestra distinto a la visión ordinaria de la realidad, alterada por un punto de vista o una óptica distinta a la de nuestra visión natural, o la forma distorsionada por la fragmentación, el color, la perspectiva…

En esta imagen podemos observar la pintura de representación realista que restablece razonablemente las relaciones espaciales en un plano bidimensional. Un ejemplo son Las Meninas de Velázquez.

• Si atendemos a las formas podemos hablar de que son más o menos figurativas según su parecido con la realidad.

• Si no tienen semejanza con la realidad son abstractas.

Mayor grado de figuración: hiperrealismo.

 

Las imágenes pueden parecerse más o menos a la realidad pero nunca son la realidad, pueden ser una representación reconocible o una representación nueva. Según su menor o mayor parecido decimos que son figurativas y cuando no se parecen en nada a la realidad decimos que son abstractas. Al máximo grado de figuración se le llama hiperrealismo y mímesis, que es una copia de la realidad.

Los planos y los mapas, las fotografías, que nos dan identidad, etc. No tienen por qué ser realistas, de hecho hay veces que no es apropiado un alto grado de figuración; señales de tráfico, etc. A parte de esto hay muchísimos tipos de imágenes distintos, por ejemplo las publicitarias, pornográficas, etc.

La fotografía es la reproducción más fiel de la realidad.

Menor grado parecido con la realidad: abstracción.

Abstracción geométrica: líneas y formas geométricas.

 

Abstracción orgánica: formas curvas, irregulares que recuerdan las naturales.

Otras formas de expresión: action painting, Jackson Pollock.

De la mímesis de la realidad a la abstracción hay muchas posibilidades. Las imágenes nunca se corresponden con la realidad, por eso decimos que en cierta medida son figurativas. Cuando se produce un máximo grado de figuración se produce lo que conocemos por hiperrealismo o mímesis. La expresión del color y la pincelada son protagonistas.

Síntesis de las formas: simplifica la forma sin dar detalles.

Matisse llegó incluso hasta esquematizar las figuras creando composiciones con recortes de cartulina.

Predomina el movimiento pero seguimos reconociendo las figuras. El grado de figuración es menor.

El grado de iconicidad también depende de la función de las imágenes: Iconos, símbolos…

El grado de figuración depende de la función para la que esté destinada la imagen.

Existen muchas técnicas diferentes para crear imágenes y objetos. Algunas se utilizan desde hace mucho tiempo: las podríamos llamar tradicionales o artesanales.

Técnicas tridimensionales: son las que, para existir, necesitan un espacio de tres dimensiones, como cualquier otro objeto natural o artificial. Tienen, por tanto, alto, ancho y largo, y su volumen es real. Las obras tridimensionales, son formalmente, mucho más rica que la bidimensional y hasta se diría que es inagotable, pues admite verse desde muchos ángulos, cada uno de los cuales ofrece una organización de la obra distinta y, por tanto, una configuración nueva.

Técnicas bidimensionales: son las que se realizan en un espacio plano y, naturalmente, no tienen más que dos dimensiones: largo y ancho. Por ejemplo, un cuadro, un dibujo, una fotografía, una imagen cinematográfica, etc. Las obras plásticas bidimensionales no pueden ser apreciadas más que desde un punto de vista frontal, lo cual significa que su relación con el espectador es única y que lo que existe en su superficie no es susceptible de verse más que en esta relación obligada.

– Otras técnicas tradicionales: vidriera, calado, tejidos, cestería, etc.

Otras han aparecido más recientemente, como todas las técnicas más derivadas de la fotografía o de las TIC:

-Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales) fotografía, cine, televisión, vídeo, animación, etc.

– Técnicas infográficas.

– Otras: neon, apilamientos, eat art, object trouve, etc.

Además hay modos de expresión diferentes a los anteriores, que no estén basados en la creación de objetos ni imágenes.

– Expresión con el cuerpo, también es una técnica de creación, el cuerpo humano es un medio mediante el cual se pueden explicar sensaciones, estados de ánimos, e infinidad de sentimientos.

– Creación de situaciones: happening, performance, etc. es una manifestación artítica, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la vida cotidiana.

• La técnica de Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

Land art: es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera. Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

Todas las técnicas son válidas: lo que importa no es la técnica, sino el resultado. Se pueden hacer cosas muy interesantes con muchas técnicas y materiales diferentes. El material o la técnica, por sí mismos, no tienen interés. Vamos a acercarnos sólo a algunas de las técnicas y de los procedimientos más usuales.

1.- Técnicas y procesos tridimensionales. (volumen)

Los conceptos elementales son los siguientes:

• Adición

• Sustracción

• Construcción

• Deformación

• Transformación

• Otros

PRINCIPALES PROCEDIMIENTOS TRADICIONALES DE CREACIÓN EN VOLUMEN 

Adición 

Modelado 

Arcilla (barro)

Cera

Yesos y escayolas

Plastilinas

Otras pastas (papel, madera, etc)

Sustracción

Talla (directa o indirecta)

Madera

Piedra

Poliespan (porex)

Otras (marfil o eboraria por ejemplo)

Construcción

Soldaduras y ensamblajes

Encofrados

Otros

Deformación

Repujado, cincelado, etc

Forja

Vidrio soplado

Prensados y mecanizados

Transformación

Vaciado (moldes)

Vaciados en yeso, resinas, coladas de arcilla,etc

Vaciado + Fundición

Bronce

Metales preciosos (oro, plata, etc)

Otros (plomo, hierro, etc)

 
1º A) Adición (lat.adire: añadir).
 
 Las técnicas de adición son las del modelado:
 
– Arcilla
 
– Cera

– Yesos y escayolas

– Plastilinas

– Otras pastas (papel, pulpas, etc)

  Modelado y cerámica

En esta sección te damos información sobre los distintos trabajos artesanales relacionados con el modelado y la cerámica. Se pueden modelar los más diversos materiales: la arcilla, la masa de miga de pan, masa de sal, porcelana fría, papel maché, plastilina, pasta de modelar, fimo, sculpey,… Hay masas de modelar adecuadas a todas las necesidades.

Los trabajos de modelado son aptos para todas las edades, siendo un trabajo habitual en los centros escolares. Para trabajar con niños muy pequeños podemos usar la plastilina o la masa blanda, pensadas para que no pase nada si los niños se la llevan a la boca. El modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El modelo es parte del proceso que lleva a la idea final.

Técnicas habituales de modelado:

• Cilindros (también llamados churros)

• Placas

• Macizo

• Manteniendo hueco

• Técnicas cerámicas ( Torneado )

El Modelado necesita usar armazones que soporte el peso del material.

Proceso de modelado de un retrato.

Palillos y utensilios de modelar.

Técnicas de torneado cerámico.

El empleo del torno permite que el grosor de las piezas manufacturadas sea más omogénea e incrementa la producción. Existen indicios precisos que nos inducen a pensar que el torno del alfarero se utilizó en el tercer milenio a de C. en Egipto. En el torneado te permite una forma de trabajar más libre ya que estas en constante proceso de cambio y transformación y puedes ir corrigiendo mientras trabajas con el barro.

El torno de alfarero es una máquina de tracción humana o eléctrica, consistente en una superficie redonda y plana (platina) solidaria a un eje que se hace girar a una velocidad regulable entre 30 y 120 rpm aproximadamente. Sobre la platina, el alfarero modela o tornea con las manos mojadas en barbotina (pasta con alto contenido de agua), por medio de apretones y estiramientos, una pella de arcilla o pasta cerámica.

Antiguamente, el torno era movido por el pie del alfarero, que actuaba sobre una pesada rueda de madera, de unos dos metros de diámetro y diez centímetros de espesor, que le confería al sistema suficiente inercia para girar constantemente a pesar de la presión y el freno que ejercía el alfarero sobre el barro. Egipcios, griegos y romanos, hace miles de años, elaboraban cerámica utilitaria de gran belleza, utilizando el torno. El torno moderno de alfarero suele tener un motor eléctrico, y un dispositivo mecánico o electrónico que permite variar y ajustar en cada momento la velocidad de giro más adecuada. El modelado permite mucha libertad a la hora de crear esculturas y permite probar y ensamblar sin parar.

¿Cómo se conservan las obras modeladas? 

 

¿Cómo conservar las obras modeladas?

Técnicas directas

Arcilla

Secado al aire

Cocción

Cera

Enfriado/secado al aire

Yesos y escayolas

Plastilina

No endurece nunca del todo, salvo que se cueza u otros

Otros

Normalmente endurecen al aire

Técnicas indirectas

Todas las técnicas

Moldeado; vaciado (sacar moldes)

Vaciado + fundición

Copia a otro material (saca de puntos, escaneado)

 La cocción de la cerámica.

La cocción constituye el último paso en el proceso de producción de la cerámica. En esta operación se necesita utilizar una cantidad de calor muy superior a la que proporciona un horno doméstico. Es posible emplear, de todas formas, un horno de confección más o menos casera, pero resulta mejor adquirir un pequeño horno eléctrico. Su precio no es prohibitivo.

Se pueden cocer las piezas en el horno del taller al que se acuda, pero con un horno propio se controla mejor el proceso de cocción. Para empezar adquiera un modelo económico, como el de 30 x 40 x 30 cm. (Dimensiones de la cámara de cocción). Haga que un electricista compruebe las conexiones eléctricas. Recuerde que la temperatura del horno se mide con un termopar y un pirómetro, que constituyen un conjunto eléctrico que mide y regula temperaturas elevadas y que debe formar parte del horno.

Lleve un registro de las cocciones efectuadas. Para cada una, anote las temperaturas a intervalos de una hora. De este modo se dará cuenta de los progresos que realiza.

El fuego es el gran maestro o, si lo preferimos, el amo y señor del arte de la cerámica. Las piezas que hemos preparado serán verdaderamente “cerámicas”, sólo y cuando el fuego haya actuado sobre ellas. Para que una cerámica esté totalmente acabada son necesarias dos cocciones. La primera recibe el nombre de “bizcochado”. Este proceso transforma la tierra cruda en tierra cocida. El objeto cocido que sale del horno se denomina “bizcocho”. No creamos que esta primera acción del fuego se limita a hacerlo más duro o más resistente a la humedad y, en consecuencia, más apto para recibir el agua de los esmaltes. El verdadero objetivo de esta primera acción es el de provocar en su interior reacciones químicas. Estas reacciones producen gases que salen a través de pequeños poros que actúan de válvulas de descarga. El objeto, en el horno, sufre una verdadera transformación físico química. Para poder darse una idea, aunque sea superficial, diremos que durante la cocción se elimina toda la humedad remanente en el objeto, los hidrosilicatos se disocian, los óxidos se liberan, los carbonatos se descomponen y toda la pasta está sujeta a imperceptibles movimientos de dilatación y contracción por el cambio de volumen de los productos de las reacciones.

La temperatura de cocción varía de acuerdo con el tipo de pasta utilizada y, en consecuencia, con el tipo de objeto que se quiera fabricar. Para los productos en terracota, la temperatura del horno oscila entre los 850º y los 1000º C; para el gres y la loza, de los 1000º a los 1300º C; y para la porcelana, de los 1300º a los 1500º C, aproximadamente.

Al calentar la arcilla, ésta sufre una serie de modificaciones que, a partir de un cierto momento, son irreversibles. La arcilla sometida a una temperatura de 100º C se seca por completo, pero puede volver a su estado primitivo si se empapa con agua. Si se la calienta hasta 600 – 700º C, empieza a tomar un color rojo muy oscuro, y sufre profundas modificaciones químicas. En este momento la arcilla es blanda, desmenuzable y porosa, y no vuelve a ser plástica ni pierde su forma por la acción del agua.

A temperaturas del orden de 900 – 1000º C las partículas de la arcilla empiezan a conglomerarse y a adquirir mayor resistencia. Todas las sustancias carbonosas, como los residuos vegetales, se queman y volatilizan, dando como resultado un material puro y brillante y de color a veces muy distinto del original. Por ejemplo, al llegar a este punto los típicos tiestos modelados en arcilla roja tienen un brillante color terracota y una estructura resistente y porosa. Muchas arcillas negras adquieren en la cocción un color marfileño, consecuencia de la desaparición de las sustancias orgánicas quemadas.

1B) Sustracción

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción.

Materiales usuales.

– Piedra

– Madera (también llamada talla dulce)

– Marfil (eboraria)

– Porex (poliespan, corcho blanco)

– Otros (ladrillo por ejemplo)

Ejemplos de materiales de talla en piedra:

Ejemplos de materiales de talla en madera.

Ejemplos de materiales de talla de corcho blanco, poliespan…

Ejemplos de materiales de talla en marfil.

El material de talla puede ser de una sola pieza (monolítica, monolito, monobloque).

O por el contrario varias piezas unidas entre sí (ensambladas). Esto es muy frecuente en la madera. La talla permite menos libertad que el modelado al depender de la forma del bloque. Especialmente si es un solo bloque al que no se le ensambla nada más.

Dos tipos de talla:

– Directa

– Indirecta

Talla directa: Se va quitando directamente del material.

Miguel Ángel afirmó siempre hacer talla directa.

El ideal de la labor escultórica fue la “talla directa”, es decir, el trabajo directo sobre el duro material. Entonces se dijo que el verdadero escultor era aquel que trabajaba directamente sobre madera, piedra, bronce, metales repujables, etcétera, evitando convertir la madera y la piedra en yeso y el bronce en cera.

Para los escultores la talla directa lograba compenetrarse con la más íntima naturaleza del material, con su sencillez elemental. A través de esta técnica se intentaba desentrañar la expresión atrapada en la materialidad (en la recia textura de la piedra o las vetas de la madera), para propiciar ese encuentro primordial entre el arte y la naturaleza que se atribuía a los objetos primitivos.

Proceso talla con plastilinas.

Herramientas de talla en madera

Herramientas de talla en piedra.

Talla Indirecta. Se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc) y se va traspasando a la talla con ayuda de herramientas y/o máquinas especiales para no equivocarse.

La gente que piensa que los artistas normalmente hacen talla directa : cogen una piedra o un tronco y se ponen a quitar. Pues la realidad es la contraria, normalmente hacen talla indirecta. La talla directa es muy difícil y es demasiado arriesgada, una equivocación puede significar estropear definitivamente la obra.

La talla indirecta se hace copiando un modelo hecho, es una técnica más fácil. (Por ejemplo modelado). El modelado puede ser del mismo tamaño, o de otro tamaño (normalmente de una escala menor).

 Procedimientos habituales de talla indirecta (también llamada saca de puntos).

• Antiguamente se usaban métodos más o menos manuales:

– Pantógrafo manual o puntómetro

– Compases

• Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos:

– Pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador)

– Escáner 3D por láser y traslación a pantógrafo mecanizado asistido por ordenador

 El compás del escultor es el siguiente:

Pantógrafo de dibujo.

El pantógrafo de dibujo es un aparato de dibujo cuyo principio es usar una imagen guía para efectos de ampliarla, generalmente usada en arquitectura, consta de un pivote y un cruce de palos de madera o metal. Es la base de la pantografía.

El pantógrafo, como instrumento de dibujo, permite copiar una figura o reproducirla a una escala distinta. Para conseguir dibujos a diferente escala se varía la distancia entre los puntos de articulación (rótulas), conservando siempre la condición de paralelismo entre las varillas, dos a dos.

El aparato se basa en los principios del pantógrafo y consiste en un paralelogramo articulado que sirve para dibujar una figura homotética a una usada de referencia. Este tiene como fin la ampliación de un dibujo o geometría.

Para dibujar, se fija el pivote, y se desplaza el punto de referencia sobre el dibujo original; un lapicero situado en el punto de copiado reproduce la imagen a una escala mayor, que viene determinada por la relación de distancias P-PR y P-PC. Cambiando el punto de referencia por el punto de copiado se reproduce la imagen a una escala menor.

Escaneado a 3D y pasado a porex.

TÉCNICAS DE CONSTRUCCIÓN: Juntar piezas que ya existen hasta formar la obra.

Uno de los procedimientos más conocidos es la soldadura, que se puede hacer de diferentes formas: soldadura con gas, eléctrica, autógena…

Otro procedimiento de construcción es el assemblage o ensamblaje, que consiste básicamente en unir objetos que ya existen para hacer algo nuevo.

En los últimos tiempos también se utiliza la técnica del encofrado: se fabrica un molde con maderas, planchas o cualquier otro material y se llena de hormigón armado, una vez duro el hormigón se quita el molde y queda la escultura en hormigón. 

Deformación: procedimiento que transforma el material original: golpeándolo, doblándolo, estirándolo…

Los primeros hallazgos de la metalistería fueron piezas de oro que datan del Neolítico, seguidas muy pronto de las de plata, cobre y bronce. Consistían en diademas, brazaletes, collares, anillos y pendientes.

La forja también se usa en los procedimientos de deformación:

Una técnica de transformación es el procedimiento del soplado del vidrio, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

Transformación: contemplaremos las técnicas de vaciado y fundición.

-Técnica de vaciado: Consisten en hacer moldes (o negativos) y rellenarlos después con algún material (positivado).

Materiales de relleno: barro para cocer, escayola o yeso, cementos, resinas sintéticas, otros.

-Técnica de fundición: La fundición es el procedimiento habitual para copiar esculturas en algún metal.

Los procesos de fundición son procesos de vaciado muy complejos. El material más usual en Arte es el bronce. También se usan bastante el plomo, los metales preciosos, el latón. Y, en menor grado, el hierro y otros. En Escultura la técnica de fundición más usual es el de la “cera perdida”:

-Primero se saca una copia de cera, hueca y con finas paredes.

-Esa copia de cera se rodea de un molde de material refractario, y se rellena también de material refractario.

-Se calienta todo hasta que la cera se funde y sale del molde, y en el espacio resultante (donde estaba la cera) se echa bronce u otro metal.

-Se rompe y quita el molde, y se retoca la pieza.

Técnicas y procesos bidimensionales.

Los primeros dibujos que podemos considerar son la mayoría de las obras prehistóricas. Aunque muchas de ellas tienen tratamiento pictórico, son obras más ligadas a la línea que al modelado o matización cromática. Eran creadas con mezclas de restos orgánicos y minerales (sangre de animales, cenizas y barro).

El soporte más usual para el dibujo es el papel. Existen muchas clases de papel destinadas para diferentes usos según su gramaje y absorbencia: para artes gráficas (escritura, dibujo, impresión), papeles absorbentes, para embalajes, con tratamientos especiales (pintados, engomados, fotográficos…)

Carboncillo (barras y piezas de madera quemada):

Sanguina (barritas de material rojizo):

Lápiz de grafito:

Lápices de color:

Tinta china a plumilla:

Tinta bistre (tiene un color terroso muy cálido):

Tinta sepia:

Tinta + lápiz:

Rotuladores:

Pastel (barras de pigmentos de color aglutinado con goma arábica):

Ceras (barras de pigmentos de color y cera u otro material graso):

 

Punta de plata:

Tinta china a pincel (aguada): La tinta se usa como la acuarela, mezclándola a veces con agua para que salgan tonos más claros:

Acuarela: La acuarela son pigmentos aglutinados con goma arábiga que se disuelven en agua y se aplican sobre papel con pinceles. Cuanta más agua usemos, más claros será los colores. El color blanco se obtiene dejando el papel sin pintar. Es una técnica rápida y muy atractiva pero difícil de usar. Además apenas permite correcciones:

Gouache (o témpera profesional): La témpera tiene una composición parecida a la acuarela, pero además lleva pigmentos blancos que le dan “opacidad”, o sea capacidad de sobreponer colores sobre otros. Eso permite retocar, con lo que es mucho más sencilla de usar que la acuarela:

Acrílicos: Es una técnica inventada en el siglo XX. Los pigmentos se aglutinan con un medio sintético artificial de tipo acrílico. Se disuelve en agua.

Óleo: Pigmentos aglutinados con aceite de linaza. Se disuelve con esencia de trementina (aguarrás). Secado muy lento. Excelente pero muy poco recomendable para el aula de Primaria.

Temple: Hay varios tipos de temple, según el aglutinante que usemos (a la cola, al huevo, a la caseína, etc.). Suelen ser solubles en agua. Se puede aplicar sobre tabla, lienzo o muro (sin humedad).

Fresco: Se pinta sobre un mortero de cal y arena fresco, sólo con pigmentos minerales solubles en agua. Una vez seco el mortero, el color queda incorporado a la mezcla y es totalmente permanente. Las pinturas al temple y al fresco se iniciaron en el mundo antiguo grecorromano y egipcio.

Las técnicas de grabado, al igual que el papel, tienen su origen en China y las primeras técnicas de grabado se desarrollaron entre los años 600 y 900. En Europa el papel fue introducido por los árabes y la primera fábrica se estableció en España alrededor de 1150. Los primeros grabados se realizan en el s. XV cuando el papel se convierte en un artículo corriente, como consecuencia de la invención de la imprenta por Johann Guttemberty de la edición de libros, que supuso una gran demanda de grabados para incluirlos como ilustraciones.

Estampado con sellos y cuerpo:

Monotipos en cristal:

Tórculo:

Grabado en linóleo: técnica de grabado en relieve sobre una plancha de linóleo.

Xilografía: técnica de grabado en relieve en una plancha de madera, donde se realiza el diseño en relieve mediante gubias.

Aguafuerte: técnica de grabado en hueco, donde se realiza el dibujo con buril sobre plancha de cobre o zinc y posteriormente se sumerge en ácidos que corroen el material en los lugares donde no está protegido por barniz.

Litografía: se realiza con lápiz graso o tinta especial sobre una piedra calcárea muy compacta y homogénea.

Técnicas de mosaico.

Las técnicas de mosaico más usuales son:

– El Collage

– El mosaico

1. Piedra

2. Vidrio

3. Madera y otros (taracea)

4. Enguijarrado

5. Etc.

El Collage.

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un «collage» se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque.

El Mosaico

El mosaico es un arte decorativo, donde la obra está compuesta de teselas, que son pequeños fragmentos de cerámica o piedra, que se disponen en orden para crear imágenes. Las variaciones de color, material y aplicaciones son infinitas, por lo que habitualmente se llama mosaico, por extension, a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Dentro del mosaico hay de varios tipos:

Mosaico de piedra.

Mosaico de vidrio.

Taracea en madera.

Otras técnicas tradicionales

Vidrieras.

Las vidrieras son un conjunto de vidrios de colores que forma motivos ornamentales o abstractos, incluso figuras e imágenes, los cuales van a ser cortados en fragmentos según el diseño establecido, y posteriormente unidos mediante “lingotes” o varillas de plomo soldadas entre sí mediante estaño. Fue el principal sistema de cerramiento utilizado en la arquitectura religiosa de los siglos XI y XII y una de las artes principales en la Edad Media.

Las vidrieras se pueden imitar muy bien con materiales escolares, y dan muy buen resultado.

Técnicas de imagen fotográfica e infográfica.

2 tipos:

– Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

– Técnicas infográficas.

Cámara oscura:

Primer daguerrotipo.

Primer negativo:

Película fotográfica (negativo):

Primera cámara de cine (hermanos Lumiere):

Video:

Cámaras digitales:

Arte digital:

Realidad virtual.

Modos de expresión no basados en la creación de objetos ni imágenes

– Expresión con el cuerpo

– Creación de situaciones: happening, performance, etc.

– Land Art

– Etc.

Performance:

El artista trabaja con una situación (parecido a una actuación, pero sin guión cerrado previo): la obra de arte es lo que sucede en esa situación que el artista provoca: normalmente se ofrece para que el espectador reflexione.

Land Art o “arte de la tierra”:

Crea las obras actuando directamente en el medio natural.

Algunas nociones elementales

Pasos habituales en arte:

– Bocetos y pruebas

– Modelo

– Obra definitiva

Del modelo o idea original a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio. Es muy frecuente que antes de realizar la obra definitiva, se hagan uno o más bocetos.

También es frecuente que elaboren uno o más modelos (a veces muy acabados), que usaran de referencia para hacer la obra final.

Además es frecuente hacer:

– Maquetas

– Fotomontajes y diseños por ordenador

Maqueta:

Dibujo que proporciona la apariencia general de un diseño, indicando, por ejemplo, la posición del texto y de las ilustraciones.

Fotomontajes y diseños por ordenador

Realizado por:

– Ana Calero Flores

– José Mª Calero Flores

– Mané Guerrero

– Francisco Batista Rodriguez


  • anitacalero: jajajaja... =) thank you!
  • Adrian Clavijo: Me encanta tu blog, está muy curradooo!!!!sigue así...
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